L’actrice et metteuse en scène Paula Lucena , membre du Coletivo Rasga, célèbre la première de « Do Começo ao Fim », une pièce pour enfants qui sera jouée sur la scène du Teatro Fashion Mall le 14 juin, avec des séances les samedis et dimanches à 16 heures, jusqu’au 13 juillet. Avec un texte d’Aline Marosa et mis en scène par Paula Águas et Toni Rodrigues, le spectacle invite le public à réfléchir sur des valeurs telles que l’amour, la famille et l’amitié — des thèmes qui, selon Paula, sont plus urgents que jamais.
Vous avez une carrière théâtrale intense et diversifiée, incluant le jeu d’acteur, la mise en scène, la dramaturgie et même la scénographie. Comment cette multiplicité d’expériences modifie-t-elle votre vision de la scène et des processus créatifs ?
Je pense qu’avoir exercé ces différents rôles m’a appris à ne les considérer comme le centre d’aucun d’eux, mais plutôt comme de petites pièces d’un tout, de petits rouages qui doivent fonctionner ensemble pour faire fonctionner la machine. J’ai le sentiment d’avoir acquis une perspective plus large du théâtre, ce qui a transformé ma relation à chaque élément de la scène. De plus, ces expériences sont très complémentaires. Que ce soit en dramaturgie, en mise en scène ou en jeu d’acteur, l’angle de vue est différent, mais, au fond, l’objectif est le même : raconter une belle histoire.
La pièce « Do início ao fim », dans laquelle vous jouez, sera bientôt présentée en première et met en scène des acteurs de renom, de la mise en scène à la dramaturgie. Qu’est-ce qui vous a attiré dans ce projet et comment avez-vous suivi la proposition, des répétitions à la production finale ?
le texte d’ Aline Marosa est un élément clé de cette production. C’est une pièce écrite en collaboration avec le Coletivo Rasga et nos metteurs en scène, Paula Aguas et Toni Rodrigues. Elle est donc pleine de tendresse, d’âme et chaque détail a été pensé avec le plus grand soin. De plus, elle aborde des thèmes précieux. Le spectacle suit le récit de ces voyageurs de l’espace qui ont fui la Terre en exil, désapprouvant la tournure que prenaient les événements. Mais ce qui est beau dans cette histoire, c’est que ces êtres sont contraints d’affronter la vie terrestre, de s’y mêler, et peu à peu, ils retombent sous le charme de ses charmes. À une époque où notre relation au monde semble de plus en plus impersonnelle et artificielle, cette pièce nous rappelle combien il est bon d’être humain ! Je pense que c’est ce dont nous avons besoin : parler d’amour, de famille et d’amitié, en nous rappelant qu’il vaut bien mieux vivre ensemble que seul.
Dans le spectacle « Être ou ne pas être : Hamlet », vous avez incarné Ophélie et avez également expérimenté des éléments comme le clown et le théâtre physique. Comment avez-vous trouvé la légèreté et l’humour dans un univers aussi dense que celui de Shakespeare ?
Les pièces de Shakespeare et le langage clownesque fonctionnent tous deux en surface. Non pas dans le sens de la superficialité, qui est superficielle, mais plutôt de ce qui vit en surface et s’exprime dans le corps. Ce qui est pensé est dit, les émotions débordent de l’intérieur et tout est mis en action. C’est pourquoi les deux langages dialoguent si profondément, l’un enrichissant l’autre. Et même les tragédies laissent une large place à la comédie. Shakespeare ne se limite pas, il mélange les genres, créant une galerie complète d’émotions humaines. Ainsi, malgré son univers dense, il accueille très bien les clowns.
Votre travail avec le Coletivo Rasga a été une construction constante de nouveaux langages et formats. Comment ce collectif a-t-il influencé votre vision artistique et votre position de créateur dans le théâtre contemporain ?
Mon travail avec le Coletivo Rasga a façonné ma position d’artiste à bien des égards. Aujourd’hui, il m’est impossible d’envisager le théâtre sans envisager la relation de groupe, la collaboration et la création collective. J’ai appris à pratiquer cela avec Rasga et je l’applique à tous mes autres projets. Notre dynamique de participation à toutes les étapes du processus, de la conception artistique à l’exécution technique, m’a donné une indépendance créative que j’apprécie énormément. Surtout dans les productions indépendantes, nous avons tous appris à trouver des solutions créatives pour travailler avec des ressources limitées, ce qui a grandement contribué à notre différenciation.
Vous réalisez également des pièces comme Deslembrança, primée et jouée sur plusieurs scènes du pays. Qu’est-ce qui change chez vous lorsque vous mettez en scène, par rapport à lorsque vous jouez ? Y a-t-il une Paula différente dans chaque rôle ?
Absolument ! En tant qu’actrice, je peux m’immerger dans l’univers unique du personnage : ses relations, ses lieux de vie, ses désirs et ses objectifs. En mise en scène, ma principale préoccupation est de communiquer avec le public, de m’assurer que tout ce que je construis avec les acteurs contribue à transmettre le récit de la manière la plus intéressante, la plus lisible et la plus authentique possible. Cela modifie considérablement mon attitude en salle de répétition et ma relation avec l’équipe. En tant que metteur en scène, je dois être plus attentive aux besoins des autres, tandis qu’en tant qu’actrice, l’accent est mis sur la présence et la disponibilité.
Votre théâtre semble porter un désir de provoquer et d’accueillir à la fois. Quels thèmes ou sentiments ressentez-vous le besoin de mettre en scène aujourd’hui, en tant qu’artiste et en tant que femme ?
Je souhaite explorer sur scène précisément ce qui m’empêche de dormir. Je suis actuellement rongé par le processus de déshumanisation des pratiques sociales, causé principalement par les avancées technologiques effrénées. C’est un sujet que j’aimerais explorer artistiquement, et je pense que le théâtre est un outil puissant pour aborder ce sujet. Après tout, aller au théâtre est, en soi, un rituel collectif de connexion humaine, un lieu où nous sommes confrontés à l’altérité et traversés par elle. Cela peut être une façon de défendre notre humanité, ou du moins un refuge face à cette progression frénétique vers l’avenir. C’est ce genre d’expérience que j’ai souhaité offrir au public : une occasion de s’arrêter, de réfléchir et de recalculer son itinéraire.
Vous êtes également enseignant et donnez régulièrement des cours sur les jeux de théâtre. Qu’est-ce qui vous plaît le plus dans l’interaction avec les étudiants et comment ce dialogue nourrit-il votre propre pratique artistique ?
Le cours de jeux théâtraux, que j’enseigne avec Cecília Imbelloni et Thaisa Santoth , est particulièrement agréable pour moi car nos étudiants ne sont pas comédiens. Nombre d’entre eux n’avaient jamais eu de contact avec le théâtre avant de commencer le cours, ce qui nous permet de leur faire découvrir certains jeux et activités que nous pratiquions à nos débuts. Cela m’aide beaucoup dans ma pratique, car cela me permet de pratiquer constamment les fondamentaux du métier. Sans oublier que les jeux sont très amusants ! Au milieu d’une semaine chargée, nous nous retrouvons pour jouer, développer notre imagination, notre créativité et notre corps. C’est essentiel, non seulement pour les artistes, mais pour tout le monde.
Après un parcours théâtral fait de courage et de persévérance, vous travaillez aujourd’hui avec de grands noms et sur des projets variés. Avec le recul, quels moments ou décisions semblent avoir été fondamentaux pour vous mener jusqu’ici ?
Je suis un fervent partisan des études. Je pense que le temps que j’ai investi dans ma formation a été essentiel pour acquérir les outils qui soutiennent ma pratique aujourd’hui. Le travail réalisé en milieu universitaire offre une liberté et une force expérimentale difficiles à trouver sur le marché du travail. Les risques sont plus grands, tout comme les contraintes. C’est pourquoi je suis très reconnaissant d’avoir pu rêver un peu dans le milieu universitaire. Certains n’aiment pas ça, et j’ai un profond respect pour ceux qui apprennent mieux par la pratique, mais dans mon parcours personnel, les études et la recherche ont été fondamentales.
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