Chris Tootel est un animateur talentueux dont l’histoire dans l’industrie de l’animation a commencé par hasard à l’âge de 16 ans, alors qu’il cherchait de l’expérience dans le cinéma et la télévision. Son entrée dans le monde de l’animation stop-motion s’est produite lorsqu’il a eu l’opportunité de tester l’animation dans un studio proche de chez lui, une expérience qui l’a conduit vers le monde de la télévision pour enfants en tant qu’animateur.
Soulignant son rôle crucial dans « Coraline » (2009), un film qui a marqué les studios Laika, Tootell a décrit ses enregistrements comme étant émouvants et inspirants. Le film représentait un défi et une responsabilité énorme, compte tenu de la qualité du matériel original et de l’attente de produire quelque chose d’exceptionnel.
Parlant des différences entre l’animation pour la télévision et le cinéma, Tootell a souligné l’importance du temps disponible. Alors qu’à la télévision, la pression s’exerce pour une production plus rapide, au cinéma, il est possible d’adopter une approche plus détaillée, ce qui se traduit par des performances plus complexes et plus détaillées.
En abordant la perception selon laquelle les films d’animation sont principalement destinés aux enfants et aux jeunes, il a cité « Anomalisa » (2015) comme exemple de film abordant des thèmes complexes et émotionnels, en mettant l’accent sur la psychologie des personnages. L’expérience de Tootell avec des réalisateurs de renom, tels que Tim Burton dans « Corpse Bride » (2005) et Guilhermo del Toro dans « Pinocchio », a été marquée par l’admiration et un environnement de collaboration créative.
Interrogé sur une scène mémorable qu’il a animée, il a souligné une scène de « Pinocchio » et la séquence « Ghost Prison » de « Coraline », soulignant la difficulté technique et la fierté d’obtenir des résultats satisfaisants. Pour Tootell, son héritage en tant que cinéaste réside dans sa capacité à inspirer les générations futures, restant fier du travail accompli et plein d’espoir pour l’avenir de l’animation stop-motion dans l’industrie cinématographique.
C’est un fait que l’animation stop-motion, en plus d’être un travail très minutieux, de par toute sa technique artisanale, est une technique qui fascine les cinéphiles du monde entier. Qu’est-ce qui vous attire le plus dans ce style de cinéma ?
Toute animation me fascine, la capacité de manipuler des images en mouvement pour créer de l’action est une joie. Mon entrée dans l’animation stop motion s’est faite plus par hasard. Quand, à 16 ans, je cherchais une expérience professionnelle dans le cinéma et la télévision, par hasard, il y avait un studio de stop motion près de chez moi où j’ai grandi et je me suis battu pour y passer du temps. Après 4 semaines passées à balayer le sol et à préparer du thé, j’ai eu la chance de tester l’animation et c’est ce test qui m’a permis de décrocher mon premier emploi d’animatrice à la télévision pour enfants. Le stop motion a une qualité tactile pour le spectateur que je trouve non seulement esthétique, mais évoque également quelque chose chez le public qui l’aide à s’identifier au personnage. C’est aussi très satisfaisant, du point de vue d’un créateur, de travailler avec des objets réels et de leur donner vie.
En plus de plusieurs succès qui ont leur propre essence, l’un des films qui a le plus contribué à faire connaître Laika Studios dans le monde entier a été « Coraline » de 2009, réalisé par le célèbre Henry Selick. Comment s’est déroulé le processus d’enregistrement quotidien et qu’est-ce que cela fait de faire partie de l’équipe de ce qui est devenu le plus grand film en stop motion jamais produit ?
Coraline était le deuxième film sur lequel je travaillais et le processus a été une joie totale. Il y avait tellement de gens incroyablement talentueux dans ce film et beaucoup étaient au sommet de leur art, produisant un si beau travail. C’était inspirant pour moi d’en faire partie. La responsabilité était énorme car Henry attendait beaucoup de ses animateurs, en plus c’était le premier long métrage de Laika et ils avaient beaucoup d’enjeu pour le rendre le meilleur artistiquement et techniquement possible. L’équipe avait une véritable mentalité d’équipe et se sentait fière et honorée d’être là tant les sources de Neil Gaiman étaient si bonnes. C’était un super projet.
Au cours de votre carrière, vous avez travaillé dans des productions télévisuelles et cinématographiques. Dans ces cas-là, y a-t-il de nombreuses différences d’animation lorsque l’on travaille pour les deux formats ?
Le processus est en grande partie le même, mais le résultat est très différent simplement en raison du temps et des ressources disponibles pour le travail. Il y a généralement plus d’argent disponible pour produire un film une fois que le film a reçu le feu vert, alors qu’à la télévision, il y a tellement de concurrence que les budgets sont réduits pour rivaliser. Du point de vue d’un animateur, c’est le temps qui permet souvent d’obtenir un résultat plus satisfaisant. Généralement, dans une émission télévisée, un animateur est censé faire 12 secondes d’animation par jour, alors que dans un film, c’est plus ou moins 2 secondes. Cela signifie une journée entière pour filmer 50 images, ce qui permet une approche très détaillée du mouvement, aboutissant souvent à une meilleure caractérisation et, par conséquent, à une meilleure performance. Cependant, de nombreuses émissions de télévision utilisent d’excellents raccourcis, souvent dans la conception, pour faciliter un bon travail dans un laps de temps plus court.
Il existe une opinion légèrement « biaisée » selon laquelle on dit toujours que les films d’animation sont toujours un produit plus dédié aux enfants et aux jeunes, surtout en ce qui concerne leurs intrigues, cependant, une production qui a attiré beaucoup d’attention a été « Anomalisa ». (2015). On a beaucoup loué le réalisme apporté par ce film. Pourriez-vous commenter un peu l’expérience de travail sur ce projet ?
Anomalisa était ma première production à Los Angeles et j’avais quitté Portland, Oregon et Laika pour acquérir plus d’expérience dans d’autres studios. Starburns, le studio qui a réalisé Anomalisa, était alors un centre de créativité. De nombreux membres de l’équipe d’horizons différents ont été réunis pour créer ce film magnifique et étrange. Les conversations étaient bien plus liées à l’état mental des personnages qu’à autre chose ; l’animation était trop axée sur l’endroit où se trouvaient les personnages mentalement et émotionnellement plutôt que sur des caractéristiques générales pour les distinguer les uns des autres. Il s’agissait bien plus de comprendre et de décrire l’état actuel, souvent changeant, de chaque personnage. Le travail était difficile d’une manière complètement différente de celle que j’avais rencontrée auparavant. Le jeu d’acteur était placé au-dessus de la motivation normale de produire une animation « jolie » ou fluide.
Outre Henry Selick, vous avez eu l’occasion de travailler avec plusieurs autres réalisateurs à succès dont le travail est reconnu dans le monde entier, comme ce fut le cas de Tim Burton dans « Corpse Bride » (2005) et de Guilherme del Toro dans « Pinocchio ». Dans ce cas, non seulement l’expérience de travailler avec des productions grandioses, mais comment l’accueil du public vous parvient-il, vous qui travaillez derrière les caméras ?
Il est intéressant de constater combien souvent l’équipe derrière la caméra ne cherche pas l’attention du public. La plupart d’entre nous faisons ce genre de travail parce que nous aimons le processus et aimons travailler avec d’autres artistes. J’ai eu la chance d’assister à la première londonienne de Pinocchio et c’était amusant, plein de paillettes et de glamour, avec une super fête ensuite. Del Toro suscite beaucoup d’admiration de la part de ses fans et ils étaient là en nombre, c’était bon à voir. Surtout pour un film qui a mis tant d’années à arriver sur grand écran.
Y a-t-il une scène que vous avez animée et qui a vraiment séduit le marché au cours de votre travail ?
J’ai animé une scène dans Pinocchio où Jiminy et Geppetto s’affrontent dans les ruines du parc d’attractions et décident de s’en prendre à Pinocchio. Lorsque Del Toro me dirigeait, il parlait des processus mentaux de Gepeto tout en écoutant Jiminy parler. Le défi était de savoir comment dépeindre efficacement un personnage « à l’écoute ». C’était difficile, mais je pense que nous avons réussi à amener cette scène à un très bon niveau et je suis fier de ma contribution. Il y a aussi la séquence « Prison fantôme » dans Coraline, lorsque l’Autre Mère enferme Coraline et qu’elle rencontre les enfants fantômes. Avec le recul, même s’il y a eu quelques moments difficiles dans le mouvement, j’ai l’impression d’avoir fait du bon travail en gardant cette séquence dans les limites d’un jeu réaliste et d’une sensation d’un autre monde.
L’une des choses que beaucoup de gens disent à propos de l’art, c’est qu’il devient réellement quelque chose d’immortel : des générations passeront, des gens vivront et mourront, mais nos productions continueront d’être là. En tant que cinéaste, quel est selon vous votre plus grand héritage au monde ?
C’est formidable d’être fier de ce qui a déjà été fait et de garder espoir pour ce qui est à venir. Sa contribution aux films et aux émissions sur lesquels il a travaillé est significative, et il est réconfortant de savoir que le travail de tous les artistes impliqués continuera d’inspirer les générations futures, de la même manière que les films que vous avez vus étant enfant vous ont incité à apprendre comment faire des films. Le cycle de l’inspiration est puissant et durable !
Suivez Chris Tootell sur Instagram et découvrez sa filmographie sur IMDb