Après avoir conquis le public à la télévision, l’acteur Pedro Goifman vit un tournant décisif avec ses débuts au cinéma dans Eclipse, réalisé par Djin Sganzerla, en salles le 7 mai. Dans ce film, il incarne un personnage aux comportements troublants, totalement insensible à l’empathie, révélant ainsi de nouvelles facettes de son jeu d’acteur. Dans une interview, Goifman évoque la difficulté de s’immerger dans des personnages complexes, le rôle de l’art comme facteur de provocation et l’évolution d’une carrière de plus en plus axée sur des récits intenses et d’auteur.
Après avoir conquis le public avec un personnage si attachant dans Girl of the Moment, vous revenez au cinéma avec Felipe, dans Eclipse, un personnage beaucoup plus troublant et difficile à aimer. Qu’est-ce qui vous a attiré dans cette plongée abrupte dans un univers aussi dérangeant ?
L’idée d’interpréter des personnages différents me plaît beaucoup. Chaque personnage est une exploration en profondeur, et Felipe était ce voyage au cœur de l’horreur, mais pas de façon caricaturale, plutôt de manière très palpable.
Vous avez dit que Felipe était un « abîme d’horreur », mais en même temps quelque chose de très palpable. Qu’est-ce qui vous a le plus intéressé dans l’étude de ce personnage : la violence elle-même ou les structures qui engendrent ce type de comportement ?
Les structures. Felipe porte la violence en héritage. Il est le produit d’une société patriarcale, et plus précisément d’une culture familiale qui se transmet de génération en génération. Analyser ces structures est fondamental. Représenter la violence pour la violence elle-même me semble dénué de sens.
Eclipse semble être un film qui ne cherche pas à anesthésier le spectateur, mais à provoquer une réaction, un malaise, voire un désir de changement. Qu’avez-vous ressenti en participant à une œuvre qui embrasse si clairement ce pouvoir politique de l’art ?
L’art est politique. Si un film se déclare apolitique, c’est déjà une prise de position politique. Et je m’efforce de créer des œuvres qui incitent le spectateur à agir, et non à simplement réagir. Des films qui soulèvent plus de questions qu’ils n’apportent de réponses, et qui, de ce fait, suscitent le mouvement.
Votre déclaration sur le désir de dénaturaliser ce qui est devenu naturalisé est très pertinente. Aujourd’hui, quel type de tension ressentez-vous le besoin de susciter à travers les personnages et les projets que vous choisissez ?
Accepter la réalité sans la remettre en question est un problème grave. Nombre de mécanismes d’oppression sont tellement ancrés dans la société qu’ils nous échappent. Les dénaturaliser, c’est mettre au jour ces structures invisibles.
Dans « The French Teacher », vous pénétrez dans un univers dense et complexe, au sein d’une production traversée par diverses cultures et langues. Qu’a éveillé en vous, en tant qu’acteur et en tant qu’artiste en constante évolution, un tel ensemble diversifié ?
Côtoyer des artistes créatifs de cultures différentes est extrêmement enrichissant. L’admiration favorise l’épanouissement. Je suis très reconnaissant d’avoir réalisé ce film et je suis convaincu que cette pluralité et cette richesse culturelle transparaîtront à l’écran.
Même si vous êtes ouvert aux projets internationaux, vous parlez bien plus de rencontres créatives que de carrière comme symbole de réussite. Qu’est-ce qui vous passionne vraiment dans un projet : le personnage, l’équipe, le processus, ou la possibilité d’un bouleversement humain et artistique ?
Tout cela me ravit ; il est inutile de créer une hiérarchie. Et n’envisagez même pas une carrière d’acteur comme un « statut ». Je suis un travailleur et un créateur. Il n’y a rien de glamour là-dedans ; c’est même souvent très pénible et difficile. J’ai l’impression qu’être acteur est, d’une certaine manière, une condamnation. C’est ce que je suis.
Outre le jeu d’acteur, vous écrivez, réalisez et participez à la création de projets. À quel moment est apparu ce besoin non seulement d’interpréter des histoires, mais aussi de les créer ?
Je suis acteur, et en tant qu’acteur, je suis créateur. Lorsque j’écris, que je réalise ou que j’occupe un autre rôle sur un plateau de tournage, je reste acteur, mais dans un espace différent. La réalisation et l’écriture me sont venues naturellement. J’ai toujours écrit, et filmer mes créations est un vrai plaisir.
Vous dites que le théâtre est toujours un lieu où vous vous sentez « vivant et entier ». Parmi la multitude de voies empruntées par les médias audiovisuels, qu’est-ce que la scène continue de vous apporter de plus essentiel sur vous-même et sur l’art ?
Bien que mon mariage soit avec le cinéma, la scène possède quelque chose d’unique. La magie de l’imprévisible, de l’échange immédiat avec le public, est irremplaçable. Et puis il y a l’éphémère. Ce qui s’y est déroulé ne peut jamais être revécu. Aucun enregistrement ne peut saisir l’essence de l’expérience théâtrale.
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