Yrla Braga transforme la douleur, le dépassement de l’adversité et l’humour en une nouvelle phase à la télévision avec « Coração Acelerado » 

Après des années loin des plateaux et des épreuves difficiles, comme le décès de sa mère et un AVC qui a failli mettre un terme à sa carrière, l’actrice et humoriste Yrla Braga connaît un tournant professionnel en incarnant Rosinha dans la telenovela « Coração Acelerado » (Cœur Accéléré) diffusée sur Globo. Connue pour sa capacité à transformer les épreuves en humour et à créer un lien fort avec le public, Yrla évoque ses retrouvailles avec l’art, l’influence de la comédie dans son processus de guérison et l’opportunité inattendue qui l’a ramenée sur scène et à l’écran. Dans une interview, elle revient sur les défis rencontrés, l’importance de croire aux nouveaux départs et ses projets pour une carrière qui prend désormais un nouvel essor.

Vous vivez actuellement un moment magnifique avec Rosinha dans Coração Acelerado, mais votre parcours a été jusqu’ici marqué par des interruptions, des souffrances et de nouveaux départs. À quel moment avez-vous vraiment senti que l’art avait retrouvé tout son sens dans votre vie ?

Le jour où je suis enfin montée sur scène pour jouer, pas seulement pour produire, pas seulement pour aider, pour écrire… Dès l’instant où j’ai posé le pied sur scène, que j’ai vu le public, que j’ai créé un lien avec lui, que j’ai lancé mes premières blagues et que j’ai commencé à animer le spectacle, tout s’est mis en place naturellement. J’ai senti que je n’aurais jamais dû partir, que cet endroit m’accueillait, me faisait du bien, et qu’en même temps je parvenais à faire du bien aux autres. Cet échange d’énergie entre le public et moi m’a fait comprendre que c’était ce que je devais faire, que c’était ma place. Il s’agissait de vivre de mon art, et c’était logique. Je n’aurais pas dû abandonner tout ça, comme je l’ai fait, comme je l’ai laissé tomber, après la perte de ma mère.

La disparition de sa mère semble avoir bouleversé son rapport à la scène. Comment a-t-elle vécu cette redécouverte de l’art, non plus comme un manque, mais comme une voie possible vers la guérison ?

Ma mère était le pilier de ma vie ; elle était ma meilleure amie, ma confidente. Je dis qu’elle ne se contentait pas d’assumer les rôles financiers, maternels ou éducatifs. Elle prenait soin de mon frère et moi, et pas seulement de nous deux, mais aussi de tant d’autres personnes, d’une manière bien plus profonde. On dit parfois : « Ah, parce que c’est ta mère », mais en réalité, ma mère était extraordinaire, à tel point que plusieurs de nos amis la considéraient comme une mère, une seconde mère. Mais quand je me suis retrouvée sans celle qui m’encourageait, me rassurait, qui m’offrait ce refuge, tout a perdu son sens à mes yeux, et j’ai eu l’impression que tous les malheurs de l’univers pouvaient m’atteindre. Je n’avais plus ce rempart, cette sécurité que de voir ma mère dans le public. Alors, une peur immense m’a envahie : la peur de l’échec, de ne pas réussir, de monter sur scène sans elle, sans son soutien, sans son avis. J’ai toujours beaucoup compté sur l’avis de ma mère pour écrire un texte, pour interpréter un personnage. Je faisais toujours ma préparation artistique avec elle, vous savez ? Même si elle n’était pas comédienne. Et cela m’a énormément aidée. Cela m’a permis d’ancrer mes personnages, mes histoires. Alors, je me sentais complètement démunie quand ma mère n’était plus là. Mais, à un moment donné, l’univers m’a ramenée à elle, pour me faire comprendre que la scène, au lieu de m’effrayer et de m’éloigner d’elle, me rapprocherait d’elle, me rapprochait d’un lieu sûr, confortable, réconfortant, très semblable à celui que j’avais avec elle. Alors, je pense que, sur scène, même si ma mère – je le répète – n’était pas artiste, elle était une enseignante, et je pense que l’enseignement est l’un des arts les plus importants qui soient. Elle a posé les fondements de tout mon parcours artistique, et je garde précieusement ses conseils, ses astuces, en mémoire, pour le développement de mes personnages et aussi en tant qu’être humain.

Vous avez dit avoir écrit votre premier spectacle de stand-up entièrement sur votre mère. Qu’est-ce que la comédie vous a permis d’exprimer sur le deuil qu’aucun autre format n’aurait pu exprimer ?

La comédie m’a permis de parler de ce deuil sans qu’il m’engloutisse, sans qu’il me domine. Le stand-up m’a permis de transformer tout cela, toute cette douleur, tout ce qui me paralysait, en quelque chose qui pouvait avoir un sens. Alors, pour écrire un spectacle… je n’ai pas commencé par réfléchir à ce que ce serait. Au fur et à mesure que j’écrivais, des histoires de notre enfance, de ma vie avec ma mère, de notre relation, ont émergé. Et ce spectacle a été une façon de la faire vivre. Au lieu de simplement parler de son absence, je pouvais parler de sa présence, des anecdotes drôles, des leçons, des petites manies qui me marquent encore aujourd’hui. L’humour a donc ce pouvoir d’accéder à des profondeurs insoupçonnées sans tout rendre insupportable, trop douloureux. La comédie permet – et m’a permis – de partager cette expérience avec d’autres. Ainsi, quand quelqu’un rit d’une histoire sur ma mère, c’est comme si, pendant quelques secondes, elle était de nouveau là, présente dans mes souvenirs et mon affection. Et, en même temps, je vois que beaucoup de gens se reconnaissent dans ces histoires et y trouvent aussi un certain réconfort. Peut-être aucun autre format ne m’a offert cette possibilité de pleurer et de rire à la fois. Le stand-up a transformé ce désir en une rencontre. Et il a montré que le deuil ne se résume pas au silence et à la douleur. Il peut aussi être fait de souvenirs, d’amour, et même de rire. Y compris le rire.

Vos propos sur les personnes qui vous abordent après les spectacles pour vous dire qu’elles se reconnaissent dans votre démarche sont très poignants. À quel moment avez-vous réalisé que votre processus de guérison commençait aussi à toucher la souffrance des autres ?

Je crois que ce fut l’un des moments les plus inattendus de mon parcours dans l’humour. Au début, je ne voulais pas monter sur scène. Puis j’y suis allée presque par obligation, à cause de mon emploi du temps, et parce que les gens qui me voulaient là avaient besoin de moi. Plus tard, c’est devenu une nécessité personnelle pour organiser beaucoup de choses, pour essayer de surmonter ce deuil, et l’humour était, avant tout, un moyen pour moi de guérir. Mais à chaque fin de spectacle, de nombreuses personnes venaient me voir, émues : des gens qui connaissaient ma mère, qui se souvenaient très bien d’elle, ou des gens qui ne m’avaient jamais vue de leur vie, qui ne connaissaient pas mon histoire, mais qui avaient eux aussi perdu quelqu’un d’important. Et ils venaient me dire qu’en entendant ces histoires, ils pouvaient rire d’une douleur qui, jusque-là, leur semblait insurmontable. C’est à ce moment-là que j’ai réalisé que ce n’était plus seulement une question personnelle. J’ai compris que lorsqu’on raconte une histoire avec sincérité, on crée un espace où les autres se sentent accueillis et compris. Ma douleur, qui semblait si personnelle, si mienne, a fini par se révéler profondément humaine et partagée, car chacun traverse des expériences traumatisantes au cours de sa vie. Alors, prendre conscience de cela a été une véritable révélation pour moi. La guérison a cessé d’être un processus solitaire pour devenir un processus de partage. En essayant de reconstruire ma propre vie, j’ai fini par offrir aux autres la possibilité de voir que, même après une perte dévastatrice, il était encore possible de trouver de la légèreté, de l’affection, de la bienveillance et un sens à la vie. Et c’était vraiment formidable, vous savez ? Il m’a fallu du temps pour le comprendre. Beaucoup de gens me l’ont fait remarquer, et la thérapie aussi, car j’ai un gros défaut : je ne crois pas au pouvoir de ce que nous pouvons faire, surtout de ce que je peux faire. Alors, il était essentiel de réaliser et de comprendre tout cela, vous savez ? Et de saisir toute la portée du pouvoir de l’art que je créais – et que je crée encore.

L’AVC dont vous avez été victime à 29 ans apparaît dans votre parcours comme une rupture définitive, presque un appel à vivre pleinement sans attendre. Comment cette expérience extrême vous a-t-elle transformée en tant que femme, artiste et être humain ?

Ah, c’était un peu fou, non ? Mais ça m’a changée, je crois, complètement, parce que le traumatisme de la perte de ma mère m’a poussée à chérir les gens, car je les croyais éphémères et je devais profiter d’eux, leur dire que je les aimais, que j’aimais être avec eux. S’il y avait un problème, je voulais le régler au plus vite, parce que je devais tirer le meilleur parti de chaque personne. C’est quelque chose que ma mère m’avait déjà inculqué. À tel point qu’elle nous faisait lire « Le Ménestrel » sans cesse, et ce texte est magnifique. Du coup, on avait toujours cette habitude de se dire « Je t’aime » constamment, surtout au moment des adieux, à cause de cette idée du « Ménestrel » : ça pourrait être la dernière fois qu’on voit cette personne, le dernier « Je t’aime » qu’on lui dit. Parce qu’on ne sait jamais ce que l’avenir nous réserve, n’est-ce pas ? Mais je le faisais beaucoup avec les autres, pas avec moi-même. Après mon AVC, en soins intensifs, je me suis dit : « Écoutez, je suis mortelle aussi, mon temps est compté et je dois profiter de chaque instant. J’ai besoin d’être aimée, j’ai besoin de m’aimer. » Alors, tout ce que je faisais pour les autres, j’ai dû commencer à le faire pour moi. Et cela m’a fait prendre conscience d’un point que ma mère répétait souvent : on peut aimer les autres autant qu’on veut, mais il faut s’aimer encore plus, car il faut se respecter, il faut connaître ses limites. J’ai commencé à comprendre les miennes et à prendre plus de risques, car avant, je pensais que je n’en avais pas le droit, que je devais toujours être là pour les autres. Et c’est à ce moment-là que ma carrière a commencé à décoller. C’était formidable. Je continue d’apprendre à m’aimer, à profiter davantage de la vie. Maintenant, en passant beaucoup de temps seule, loin de ma famille, ici à Rio de Janeiro, j’ai eu le temps de mieux me comprendre, de comprendre mes peurs, mes angoisses, mes « oui », mes « non », en toute intimité. Et ça a été vraiment agréable, vraiment agréable, de me découvrir dans ce monde comme un être humain qui, en plus d’aimer, désire aussi être aimé – et je comprends que cela ne vient pas seulement des autres, mais aussi de moi-même.

Votre rencontre avec Paulo Vieira semble être arrivée précisément au moment où vous commenciez à vous repositionner dans votre vie. Comment avez-vous vécu ce soutien de la part d’une personne extérieure au secteur, alors que vous-même ne considériez plus la télévision comme un rêve réalisable ?

Je m’étais déjà fait une image de Paulo comme d’un artiste brillant, immense, merveilleux. Mais on a toujours peur de rencontrer les artistes qu’on admire tant, et de découvrir qu’ils ne correspondent pas à l’idée qu’on s’en faisait. Or, Paulo était vraiment différent de ce que j’avais imaginé : il est bien plus grand, bien plus généreux, bien plus admirable, bien plus génial que je ne l’aurais cru. Et cette rencontre avec lui a été très positive, car j’étais déjà en pleine tournée, en train d’organiser des expositions dans d’autres villes, mais j’appréhendais encore beaucoup de me lancer, car je me demandais si j’avais le niveau requis pour de grandes capitales comme São Paulo et Rio de Janeiro. Et il s’est tourné vers moi et m’a dit : « Si, tu l’as. Je pense que tu devrais y aller. Et si tu as besoin de mon aide, je suis prêt à t’aider. » C’était donc très agréable d’entendre cela de la part de quelqu’un qui ne m’avait jamais vu auparavant, qui n’avait aucune raison de me flatter ou de flatter mon ego. Parce que, souvent, chez moi, les gens disent : « Non, mais c’est vraiment bien », n’est-ce pas ? Un ami, quelqu’un qui vous aime, trouvera parfois tout ce que vous faites excellent – ​​même si mon mari est un critique sévère et me donne d’excellents conseils, y compris sur les spectacles, les blagues et tout le reste. J’étais donc toujours méfiante, me disant : « Oh, ces gens m’aiment bien, n’est-ce pas ? Je ne sais pas, je ne leur fais pas confiance. » Et puis, quand Paulo est arrivé, il m’a vraiment fait prendre conscience que j’avais la possibilité, la capacité d’atteindre un niveau que je ne pensais pas encore avoir. Et cela a été crucial pour moi, pour avoir le courage de quitter ma zone de confort et d’aller à São Paulo, à Rio de Janeiro. Et je n’ai laissé passer aucune des opportunités qui se sont présentées par la suite.

Rosinha est arrivée à un moment où l’on ne s’attendait plus à une telle opportunité. Qu’est-ce qui, chez elle, trouve un tel écho chez Yrla aujourd’hui, cette femme qui a retrouvé la foi après si longtemps ?

Rosinha… Oh là là, Rosinha ! Je ne sais pas si c’est toujours comme ça avec les premiers personnages qu’on interprète à la télé, mais j’admire vraiment son courage, je trouve ça super. Parce que Rosinha dit des choses avec lesquelles je ne suis pas d’accord, mais quand elle se rend compte qu’elle est allée trop loin, elle fait marche arrière et reconnaît son erreur. Elle sait qu’elle a eu tort, elle s’excuse, ça ne la dérange pas du tout, elle n’a pas cet ego surdimensionné, cette manie de toujours insister sur le fait qu’elle a raison, que ce qu’elle a dit est correct. Donc, elle a vu qu’elle avait tort, elle est allée s’excuser. J’aime ça, cette capacité à reconnaître ses erreurs et à ne pas avoir peur de s’exprimer. Je veux ça pour moi aussi. Et je pense que Rosinha va beaucoup montrer cette facette d’elle-même, cette forte personnalité, cette opinion d’une femme qui ne se laisse pas dicter sa conduite. Et pouvoir travailler ça avec les enregistrements a été un vrai plaisir. Rosinha est définitivement ancrée dans mon cœur. Je suis amoureuse de Rosinha, les amis. C’était tellement amusant de jouer ce personnage. Bien sûr, j’aimerais jouer d’autres rôles, mais je pense qu’on se souviendra toujours d’elle comme de ce premier instant où l’on découvre tout ça, comme d’une personne éblouie qui ne cache pas son émerveillement, ni les personnes qu’elle admire. Et je pense qu’Ila et moi avons un peu ça aussi. Je n’ai jamais caché mon bonheur. L’équipe a même commencé à plaisanter parce que chaque jour, avant de tourner, je vais dire bonjour, bon après-midi et bonsoir à M. Roberto. Quand je quitte les studios, je parle aussi à M. Roberto, qui est une statue juste à l’entrée, après les tourniquets. On entre et il est là, à nous accueillir. Alors je parle à M. Roberto, je plaisante, et c’est devenu une blague entre certains membres de l’équipe : envoyer ce salut à M. Roberto, par respect pour la société. J’ai donc commencé cette blague parce que je n’ai pas honte de qui je suis, ni des bêtises que je fais, et je pense que Rosinha a un peu ça aussi.

Vous dites vouloir continuer à faire de la comédie, même dans un milieu qui considère encore souvent l’humour comme quelque chose de mineur. Qu’est-ce qui vous motive tant dans ce désir de défendre la comédie comme un langage puissant et profondément humain ?

Ce qui me motive profondément, c’est que la comédie peut toucher des personnes que d’autres formes d’expression ne peuvent souvent pas atteindre. Longtemps, l’humour a été considéré comme superficiel, comme si faire rire était moins important que de faire pleurer ou de susciter la réflexion. Pour moi, la comédie est précisément l’un des moyens les plus profonds d’aborder la condition humaine. C’est grâce à elle que j’ai pu faire mon deuil de la perte de ma mère, donner un nouveau sens à des douleurs très intimes et transformer des expériences difficiles en une force d’identification et d’acceptation. Ainsi, lorsqu’une personne rit, elle baisse ses défenses, se reconnaît, s’autorise à ressentir. Et, à ce moment-là, il est possible d’aborder des sujets délicats avec une honnêteté qui serait autrement insupportable. Peut-être que, si l’on parle directement du deuil avec la personne, ou d’une douleur particulière… J’ai rencontré d’autres personnes qui ont eu des AVC très jeunes et qui étaient également très en colère contre la vie, et, après avoir vu le spectacle, après avoir entendu les blagues, elles ont commencé à voir les choses différemment. Parce que, peut-être, quand on essayait de se justifier en disant : « Non, mais au moins tu es là », les gens ne voulaient plus rien entendre. Alors j’ai commencé à faire des blagues, et ils ont compris : du calme, il y a aussi un autre aspect à tout ça. Défendre l’humour, c’est défendre ce pouvoir de guérison, de connexion. Le rire n’atténue pas la douleur ; il la rend peut-être plus facile à partager. Il crée des ponts entre des personnes qui se sentent souvent seules face à leurs propres conflits. Et, grâce au rire, nous créons des liens. C’est pourquoi je tiens vraiment à continuer à faire de l’humour, car je crois que faire rire quelqu’un peut aussi être une façon de le réconforter, de l’amener à réfléchir, de lui redonner espoir. Et peu de choses me semblent aussi profondément humaines que la capacité de transformer sa propre vulnérabilité en une véritable rencontre avec autrui. Alors, je pense que l’humour a un pouvoir immense, et je continuerai à me battre et à essayer de faire de l’humour partout où j’irai.

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