La chanteuse Nathalia Bellar sort le morceau « Deixa eu Colar », une célébration de la latinité, de l’amour libre et de la force du féminin sacré. En collaboration avec Guga Limeira et Carol Jongo, et avec une production musicale de Hugo Limeira, la musique combine des influences afro-latines et du Nord-Est, reflétant une mosaïque sonore caractéristique du New MPB. Avec des paroles qui explorent la romance entre deux femmes et la force du féminin sacré, le lancement est marqué par un clip vidéo vibrant, filmé par Olinda et João Pessoa, et célèbre les 18 ans de carrière de l’artiste. Nathalia utilise sa musique pour se connecter avec son identité et ses ancêtres, soulignant le pouvoir transformateur de l’art.
Qu’est-ce qui a inspiré l’incorporation d’influences afro-latines et du Nord-Est dans votre nouveau morceau, et comment pensez-vous qu’elles contribuent à votre identité musicale ?
Je suis un artiste du Nord-Est, né à Paraíba de Jackson do Pandeiro et Vó Mera, représentants de la culture populaire qui m’ont toujours enchanté. Je bois également de la source Pernambuco de Lia de Itamaracá et de Cordel do Fogo Encantado.
J’envisageais de faire un son qui pourrait apporter ces influences et le combiner avec les références afro-latines qui m’ont plus fortement touché ces dernières années. Ce sont des inspirations qui sont venues de ma formation personnelle. Je me souviens par exemple d’avoir écouté des boléros avec mon grand-père quand j’étais enfant. Et étant enchanté par la musique pop de MTV dans les années 1990, cela a beaucoup de sens pour moi d’apporter cette fusion à ce nouveau travail, où je me montre beaucoup plus entier, sans attaches et avec la liberté d’explorer les sons et l’esthétique qui ont fait de moi le chanteur que je suis.
Comment s’est déroulé le processus de collaboration avec Guga Limeira et Carol Jongo pour créer « Deixa eu Colar » ? Quelles ont été chacune de leurs plus grandes contributions au développement de la musique ?
Guga et Carol sont deux amies que la musique m’a données. Des artistes avec qui je compose beaucoup. La chanson a commencé à émerger de mes conversations avec Guga sur l’esthétique de mon nouveau travail. Nous visions cette thématique de l’Afro-Latinité , voulant raconter des histoires de notre quotidien, parler de l’amour et de sa pluralité. Il a commencé à écrire « Deixa eu Colar » sur la base de cette devise. Au même moment, Carol et moi écrivions une autre chanson d’amour intitulée « Pedacinho de mar ». Je l’ai envoyé à Guga pour l’entendre. Il est tombé amoureux de certains vers et les a empruntés pour terminer « Deixa eu Colar ». C’est la magie de la composition en partenariat ! Les chansons s’embrassent, se transforment en d’autres. C’est une source inépuisable de possibilités.
Vous avez mentionné que votre cœur indiquait une phase plus ensoleillée et dansante. Comment pensez-vous que ce changement de direction reflète votre évolution en tant qu’artiste au fil des années ?
L’art est changeant, tout comme nous sommes des êtres changeants, essentiellement cycliques. Et ma musique a toujours été une extension de qui je suis. Ce changement vers une phase plus solaire et dansante reflète non seulement ma recherche de nouvelles voies artistiques, mais aussi mon moment en tant que personne. Au fil des années de ma carrière, j’ai traversé différentes phases, explorant des émotions et des rythmes plus introspectifs. Maintenant, j’ai l’impression d’être dans un lieu de plus grande légèreté et de fête.
Nouveaux sons, nouveaux publics, nouveaux marchés, plus grande portée. J’embrasse d’autres façons d’exprimer mes vérités, sans laisser de côté les racines de la musique populaire brésilienne qui m’a formé, mais en me permettant d’expérimenter davantage. Je pense que cette liberté créative fait partie du fait de grandir et je suis très heureuse de pouvoir la partager.
Les paroles de « Deixa eu Colar » parlent de la rencontre amoureuse entre deux femmes noires. Quel message espérez-vous que les auditeurs retiendront de cette représentation et comment est-elle liée à la force du féminin sacré ?
Les paroles parlent de désir, de passion, du pouvoir de poursuivre ce que l’on veut et, par-dessus tout, d’aimer qui on veut. Ce que j’aimerais que le public retienne de ce message, c’est qu’il n’y a rien de plus précieux que notre liberté. Et, dans un Brésil qui continue de tuer les personnes noires et LGBT , aborder l’amour dans toutes ses couches, dans toutes ses possibilités, à travers un regard ludique, ludique et sensuel, vise à abattre certains murs qui nous séparent encore. La liberté des femmes a toujours été une réalité lointaine. Même si tant de ceux qui nous ont précédés ont ouvert des chemins lumineux, le combat reste plus vivant que jamais ! J’ai grandi entouré de femmes noires félines et fortes. Ma mère, mes tantes, mes grands-mères, des matriarches très puissantes. Je les ai toujours vus poursuivre ce qu’ils voulaient. Les chefs de leurs familles. Et parler de femmes libres qui se veulent, qui se désirent et se cherchent, c’est parler du sacré. Le sacré est aussi dans les couleurs que nous utilisons, dans ce rouge d’Oiá, dans l’or d’Aphrodite. Je dis souvent que nous sommes tous cette déesse que mettent en avant les paroles, animées par l’instinct qui nous motive à transformer le monde qui nous entoure.
Le clip de la chanson a été tourné dans des lieux emblématiques tels qu’Olinda et João Pessoa. Comment le choix de ces lieux et l’esthétique de la vidéo contribuent-ils à transmettre l’énergie et le message de la chanson ?
La chanson comporte déjà des éléments très visuels dans sa poétique. Dans l’un des extraits, il parle de la chaleur des « quatre-vingts carnavals ». Cela donne un aperçu de ce nord-est où il fait chaud pratiquement toute l’année, où le carnaval est fort dans les rues et où les amoureux sortent de la maison pour danser. Le choix d’Olinda est donc venu de cette énergie tropicale et carnavalesque. Ses collines, les couleurs de ses demeures, tout formait un décor parfait pour habiter ces deux personnages. La rencontre du sacré avec le profane, du moderne avec l’ancien. Les scènes de déesses reflètent une ambiance plus nocturne et bohème. On pense alors au Centre historique de João Pessoa, scène de musique indépendante et de grands rassemblements. C’était aussi une façon de créer encore plus de connexion entre des villes qui ont beaucoup de points communs, distantes de seulement 1h30. Obailê Santana, l’actrice qui joue avec moi, est ma voisine de Pernambuco. Tout se connecte. Nous avons trouvé le look parfait pour l’atmosphère de magie et de chaleur que la chanson réclamait.
Vous avez mentionné que la production du clip vidéo était majoritairement réalisée par des femmes. Comment cette approche a-t-elle impacté le résultat et votre vision de la représentation féminine dans l’industrie musicale ?
J’ai toujours eu des femmes dans différents domaines de mon travail, depuis le début de ma carrière. Comme je l’ai déjà dit, j’ai grandi dans un environnement où il y avait beaucoup de leadership féminin. Donc, pour moi, c’est quelque chose de naturel. Ce n’était pas différent avec Deixa Eu Colar. L’ensemble du processus créatif, toutes les constructions esthétiques et logistiques, l’exécution elle-même, ont été réalisés par les femmes avec qui je travaille. Et j’ai une grande satisfaction de pouvoir partager leurs multiples talents. Je crois que c’est un différenciateur. Des femmes qui travaillent sur plusieurs fronts. On peut, avec une petite équipe, faire de grandes choses. Et je ne pense pas qu’il puisse en être autrement. Il fallait que ce soit avec eux, car eux seuls seraient capables de traduire la dimension de ce travail, de comprendre l’importance de ce qui y était abordé. Je crois que nous suivons une très belle voie d’occupation de nouveaux espaces. Il y a quelque temps, il était très difficile de voir une femme technicienne du son, éclairagiste, ingénieure du son dans les studios. Mais aujourd’hui, on les retrouve déjà occupant ces espaces. Mon sentiment est que les femmes sont déjà en train de transformer l’industrie musicale pour le mieux.
Comment votre parcours professionnel de 18 ans a-t-il influencé la création de « Deixa eu Colar » et que représente pour vous cette sortie en termes d’épanouissement personnel et artistique ?
Ces 18 années m’ont apporté de la maturité, de l’expérience, surtout pour savoir plus clairement de quoi je veux parler et comment je veux en parler. Je crois que cela a été fondamental dans le processus de cette production car j’étais désormais beaucoup plus confiant dans le choix de mon équipe, dans la direction générale du projet de manière plus affirmée, dans la gestion des crises. L’expérience nous améliore réellement.
La sortie de cette chanson représente exactement ce nouveau moment, où je me sens plus libre d’expérimenter de nouveaux sons, de dialoguer avec un public plus jeune, sans abandonner ma base, et surtout, elle représente le mouvement, apporte de nouvelles possibilités d’expansion, de perçage. bulles et aller plus loin dans le travail.
Vous avez expliqué comment l’art et la musique vous ont aidé à renouer avec votre noirceur et vos ancêtres. De quelle manière espérez-vous que votre musique continue de favoriser ce lien et d’inspirer les autres à explorer leur propre identité ?
Je pense que toute manifestation artistique naît du désir d’exprimer nos vérités, de mettre en lumière des choses que la société nous vole souvent. La musique m’a découvert. Mais il m’a fallu un processus pour comprendre tout cela, et beaucoup de réponses que j’ai trouvées dans les voix qui étaient pour moi des représentantes, comme Elza Soares, Nina Simone et Vanessa da Mata, par exemple. Tout comme ces artistes l’ont été pour moi, je veux être un canal d’autonomisation pour les personnes qui, même dans ces nouvelles générations, ont encore honte de qui elles sont. J’ai envie de parler naturellement de ma façon d’aimer, de ma peau, de la fierté que je ressens d’être née dans cette région si féconde, si puissante et historiquement si discriminée. Et je veux que mes chansons parlent en regardant les gens dans les yeux. Puissent-ils traduire beaucoup de choses qu’ils aimeraient dire.
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