Avec la sortie de « Adiref Aul », la chanteuse et compositrice congo-brésilienne Marissol Mwaba présente une œuvre qui reflète la réinvention et l’introspection. La chanson, dont le titre est « Lua Ferida » à l’envers, est le résultat d’une technique unique appelée « Reversas de Lossiram », développée par l’artiste pour inverser les compositions et révéler des couches cachées de sens et d’émotion. Inspirée par son enfance, où elle aimait chanter des chansons à l’envers, Marissol explore un nouveau son dans un projet qui célèbre également le lien entre musique et danse, avec de fortes influences de la culture arabe et des collaborations marquantes.
Vous décrivez » Adiref Aul » comme une réunion avec vous-même et votre art. Quel a été le moment le plus mémorable de ce voyage où vous avez eu l’impression de vraiment redécouvrir quelque chose de profond et d’unique dans votre musique ?
Je pense que chaque étape de cette chanson représentait un moment important. Cela commence à partir du moment où, il y a de nombreuses années, j’ai eu pour la première fois le courage de chanter une chanson inversée en live. J’ai été très encouragé par mon frère, car j’étais très gêné. J’ai pensé : « Wow, je vais chanter une chanson à l’envers. Ils demanderont de quelle langue il s’agit et je dirai que c’est le portugais à l’envers. Quoi qu’il en soit, je n’avais jamais vu personne faire ça, et à ce jour, je ne sais pas si quelqu’un le fait de cette façon – en chantant une composition et en l’arrangeant pour qu’elle soit une chanson indépendante et intelligible à l’envers.
J’étais un peu réticent à le faire, mais à partir du moment où j’ai intériorisé qu’il était possible de présenter cela au public et que le public ressentait quelque chose, j’ai déjà considéré que j’étais sur le chemin d’ Adirefaú . En chantant Adirefaú en live, j’ai remarqué que le public s’impliquait, ce qui m’a donné la sensation du rythme, que je trouve également engageante. C’est un rythme qui rappelle davantage la musique arabe, influencé par mon expérience de la danse du ventre et mon étude approfondie du Muaim , à l’école d’art où j’étais guidée par Jade Eljabel . Dans cette école, nous avons une étude approfondie du Mambê , de la culture et nous étudions les instruments joués et le contexte culturel de chaque élément. Je pense que cette familiarité m’a donné plus de possibilités pour explorer ces sons en musique.
Je sentais qu’Adirefaú réclamait ce type de rythme, et cela représentait une autre étape pour moi, car c’était une plongée profonde dans la connexion de la musique que je fais avec l’un des types de musique que j’étudie. L’autre étape a été de produire le rythme de la chanson, regroupant toutes ces références, également avec la collaboration de Lucas Romero, qui a fait la production musicale avec moi. Il a apporté beaucoup de choses intéressantes et j’ai pu me reconnaître dans cette combinaison d’influences. C’était aussi une étape importante, car je pense qu’il s’agissait de découvertes profondes et uniques. Des étapes qui montrent qu’il est possible d’unir bon nombre des influences et références actuelles que j’ai dans ma vie.
Je parle toujours dans les interviews de mes influences, comme le mélange de musiques d’origine africaine, dues à mes origines congolaises-brésiliennes, avec la musique que j’écoutais en grandissant au Brésil. Mélanger ces références actuelles, que j’étudie depuis huit ans avec Jade, et plus récentes dans ma vie, a aussi été une plongée profonde, car être artiste est un éternel processus de découverte, de redécouverte, de regroupement et de dégroupement .
Une autre étape a été lorsque la musique a rejoint la danse pour le live, où j’ai fait toute la préparation avec Jade. Mariana Quadros a chorégraphié une partie, Jade en a chorégraphié une autre et Jade m’a donné tous les conseils pour m’approprier ma propre danse. Cela s’est accompagné de la musique, ce qui en a fait un pas profond vers le multi-art . Tout ce que Adirefaú m’a apporté m’a aussi aidé à m’améliorer en tant que chanteuse, surtout lorsque j’ai eu l’opportunité de faire une préparation à l’orthophonie avec mon orthophoniste, Glaucia Verena, pour pouvoir danser le ventre et chanter en même temps. Je n’avais jamais vu quelqu’un prêt à danser le ventre et à chanter en même temps, et comme nous combinons toutes ces choses, l’entraînement quotidien est également devenu un lieu pour approfondir notre relation avec l’art.
Je sens qu’Adirefaú a vécu plusieurs moments de redécouverte, quelque chose de profond et d’unique, non seulement dans la musique, mais aussi en moi en tant qu’artiste. Dans les possibilités que je vois, et dans celles que je ne vois pas encore, mais le simple fait d’avoir cette possibilité qu’Adirefaú a apporté, me donne aussi soif de découvrir d’autres choses, que je n’imagine peut-être même pas maintenant.
Adirefaú ouvre vraiment plusieurs possibilités. Un moment d’émotion pour moi a été de voir les paroles de la chanson à l’envers sur Vagalume. J’ai grandi en regardant des accords et tout ça dans Vagalume et je n’avais jamais rien vu d’une chanson qui soit réellement à l’envers. Voir ma musique là-bas, comme ça, c’était vraiment beau. C’était le moment de considérer ma carrière comme un chemin qui ouvre des possibilités et peut générer des perspectives sur d’autres choses que je n’aurais peut-être même pas imaginées. De toute façon.
La technique que vous avez développée, « Lossiram Reverses », est fascinante et tout à fait unique. Comment s’est déroulé le processus de transformation d’une curiosité d’enfance en une méthodologie artistique aussi élaborée ?
Ce fut un processus qui a duré des années. Ce n’était pas prétentieux. Quand j’ai commencé à retourner les chansons, je n’avais pas l’intention de dire : « Wow, je vais faire ça pour présenter ça. » C’était vraiment quelque chose de ressenti, car j’étais là, enfant, enchanté par les palindromes et autres. Alors, je l’ai pris et j’en ai fait une chanson à l’envers, une de mes compositions, faute de rien à faire, un enfant qui joue.
Et, en me retournant, j’ai commencé à aimer certains des sons qui émergeaient. Chaque fois que je l’entendais, je commençais à fredonner. Au début, je ne savais pas comment le chanter, je n’imaginais même pas pouvoir chanter ces paroles. Mais au fil du temps, j’ai réalisé que j’apprenais la mélodie sans connaître les paroles. Quand je l’ai enregistré pour la première fois en chantant la mélodie, j’ai été enchanté. J’ai pensé : « Oh mon Dieu, imagine si je chante correctement ! »
C’est à ce moment-là que j’ai commencé à apprendre et à découvrir, et j’ai réalisé qu’écrire m’aidait à mieux comprendre ces mots à l’envers. J’ai commencé à remarquer que, parfois, la façon dont je lisais ou écrivais un mot ne correspondait pas à la prononciation, à cause de mon accent ou de la façon dont le mot était prononcé. Un exemple est « bonjour ». Si vous le dites exactement comme il est écrit, au contraire, ce sera quelque chose comme « aizdmob ». Et si j’inverse la situation, cela va me donner un son qui ne correspond pas à l’accent avec lequel je parle. Si je chante ainsi, je ne prononcerai pas le mot correctement à l’envers. Alors, je me suis dit : « Je dois faire une étude phonétique ».
Et cela s’est produit au fil des années. Quand j’étais plus âgé, à l’université, j’ai suivi des cours de phonétique. J’ai toujours été passionnée par les langues, et cela m’a aussi beaucoup guidé. J’ai commencé à penser : « D’accord, il y a une bonne façon, je dois comprendre comment j’exprime ces mots. » Reprenons l’exemple du « bonjour » : au contraire, il est plus proche de « aizdmob ». Alors la question est : où dois-je mettre le tonique ? Si je ne le mets pas au bon endroit, le mot ne sonnera pas correctement.
J’ai étudié cela petit à petit et j’ai créé ma propre écriture, quelque chose qui m’était intelligible. Aujourd’hui, lorsque je regarde mes textes à l’envers, je peux les lire correctement, avec la prononciation et l’intonation appropriées, grâce aux signes que j’ai créés pour me repérer plus facilement. Au fil du temps, ce processus s’est développé et j’ai pu donner plus de vie aux mélodies, en suivant les paroles correctement exprimées.
Aujourd’hui, j’en suis amoureux. Chaque fois que j’ai un peu plus de temps et que je veux explorer, j’écoute de nouvelles mélodies qui se cachent dans les chansons que j’ai composées, je regarde en arrière et j’apprends. De nos jours, c’est un processus plus dynamique, plus rapide, grâce à tout ce développement des méthodes d’orthographe et d’écriture.
L’influence de la musique et de la danse arabes est un élément central de « Adiref Aul ». Qu’est-ce qui vous a le plus enchanté dans cet univers et comment cette collaboration avec Jade el Jabel a-t-il influencé votre vision artistique ?
J’ai fini par en parler un peu dans la première question, non ? Mais en réalité, cette influence est quelque chose de très central. Je pense que plusieurs choses m’ont influencé par rapport à la présence de Jade en tant qu’enseignante dans ma vie. L’un des principaux est la profondeur de son enseignement. Chez Domo Aine , nous avons accès à un enseignement très approfondi. Ce n’est pas une étude superficielle, nous revenons toujours au contenu et tout est fait de manière à nous donner la confiance nécessaire pour nous découvrir dans ce que nous étudions. Dans de nombreux cours, elle fait également des parallèles avec la culture brésilienne. Nous étudions différents rythmes et apprenons à imprimer notre propre style sur ce que nous apprenons.
Tout cela résonne beaucoup auprès des danseurs professionnels qui, je crois, constituent la majorité des étudiants de Jade. De grands professeurs brésiliens, comme Mariana Quadros, qui a également collaboré à la chorégraphie, sont encore aujourd’hui ses élèves. Elle enseigne avec un enseignement destiné non seulement aux danseurs et aux professeurs, mais aussi aux êtres humains. Alors, j’ai introduit cela dans mon univers et j’ai pensé : quel est mon professionnalisme ? Que suis-je ? Je suis un professionnel de la musique. Je lui ai apporté des explorations et des provocations, en pensant aux danseurs, mais aussi à la musique. Et, avec cela, j’ai découvert mes propres liens par rapport à ce contenu.
La connaissance donne la liberté. Une fois que vous vous sentez en confiance avec certaines connaissances, vous gagnez la liberté de les appliquer. Je pense que c’est dans ce mouvement que j’ai trouvé le courage d’explorer cet aspect de la musicalité au sein de mon propre art. Je voulais vraiment faire venir quelqu’un de spécialiste du rythme arabe pour jouer du tambourin dans la chanson, et Jade a accepté. Elle s’est portée volontaire. Je cherchais quelqu’un pour enregistrer et elle s’est dit : « Ça va être difficile de trouver un instrumentiste et de négocier les prix. » Alors, elle y est allée. Et c’était la première fois qu’elle faisait quelque chose comme ça, enregistrant en studio et participant à un morceau sorti. C’était très beau de voir ça, car c’était aussi une découverte pour elle dans cet endroit.
Cet échange a été très enrichissant. Jade a non seulement enregistré le tambourin, mais aussi les snujes , le tambourin et les chœurs. Elle chante aussi. En fait, l’une des choses qu’elle apporte à Domo Aine est le groupe appelé ESTA, au sein de l’école, composé de danseurs professionnels et d’excellents professeurs du Brésil. Et, dans ce groupe, ils ont des moments où ils chantent et dansent. Jade chante aussi, et nous avons eu cet échange, car j’étais aussi son professeur de chant.
Ce fut un grand échange et une influence mutuelle, non seulement dans le domaine de la musique ou de la danse, mais en tant qu’artistes. Nous nous inspirons et nous encourageons mutuellement. Tout cela est venu de la préparation, de la recherche, et le résultat est ce travail. Ce qui est beau à suivre, c’est que tout vient d’un long processus. À l’époque, il semble que cela se soit produit soudainement, mais quand on regarde en arrière, on voit que c’est une longue histoire, pleine de détails, qui culmine avec ce lancement.
Le clip de » Adiref Aul » a été enregistré à Florianópolis et à Paris, deux villes avec des significations différentes dans sa trajectoire. Comment ces lieux ont-ils contribué à raconter l’histoire de votre musique et de votre transformation personnelle ?
Ouah! Cette question est bonne ! Je réfléchis maintenant à ma vie. Ces deux villes, Florianópolis et Paris, ont pour moi une signification très particulière. Florianópolis est l’endroit où je suis devenu artiste, où je suis devenu professionnel de la musique. Je me considère comme un artiste de la scène de Santa Catarina ; C’est là que j’ai grandi musicalement. Même si je suis une personne originaire de nombreux endroits et que mon cœur appartient à beaucoup d’entre eux, l’un de ces endroits est Floripa, qui est la scène artistique et musicale qui m’a forgé.
De plus, Floripa est l’endroit où j’ai ma famille. La majeure partie de ma famille nucléaire est là. C’est donc une ville très, très spéciale pour moi, tant pour mon parcours personnel que pour ma carrière artistique.
Paris est aussi un endroit très spécial. Depuis toute petite, j’ai toujours été amoureuse de Paris, j’ai toujours rêvé d’y venir. Quand j’étais adolescent, j’ai eu l’occasion de passer des vacances ici, car j’ai de la famille à Paris. Puis, lorsque j’étais à l’université, j’ai obtenu le programme Science sans frontières et j’ai étudié ici. J’ai été étudiant à l’Université Fédérale de Sergipe et j’ai fait un échange à la Sorbonne, j’y ai étudié ainsi qu’à l’Observatoire de Paris, puis j’ai effectué un stage à l’Institut d’Astrophysique de Paris. La période de cet échange a coïncidé avec la sortie de mon premier album, Luz Azul, qui a marqué le moment de mes premières compositions enregistrées et publiées — quelque chose de très spécial dans la vie d’un artiste.
J’ai fait le show de lancement ici, à Paris, et peu de temps après je suis allé à Florianópolis pour un autre show de lancement. Je ne m’en étais jamais rendu compte, mais c’est incroyable comme tout était lié : Paris et Floripa. Et l’album Luz Azul contient une chanson très transformatrice pour moi et mon frère François Muleka , intitulée Notícias de Salvador, que nous avons co-écrite. Cette chanson a ensuite été réenregistrée par Luê de Luna sur son premier album et est ainsi devenue connue de nombreuses personnes. A Luz Azul, François joue aussi, et savoir que cette chanson a commencé là, sur l’album, c’est quelque chose de très spécial.
Paris, pour moi, c’est cette ville qui a tout à voir avec des moments importants de ma vie : le lancement de mon album, mon lien avec l’astrophysique et ma première expérience dans un Institut d’Astrophysique. Travailler à l’Institut d’Astrophysique de Paris m’a valu d’être co-auteur d’un article pour le magazine Astronomy et Astrophysics , une publication d’une extrême importance pour la communauté scientifique. Même si je n’ai pas poursuivi de carrière universitaire, cette étape est énorme pour moi. Je suis très reconnaissant à mes professeurs, en particulier au professeur Raimundo Lopes, qui m’ont fait prendre conscience de l’importance de cette réalisation.
Aujourd’hui, de retour à Paris, je sors d’une période très difficile en tant qu’artiste. Être artiste indépendant n’a jamais été facile, mais j’ai traversé des problématiques très délicates qui m’ont donné le sentiment que mon travail était sous-valorisé. C’était une immense pause créative, avec un manque d’envie d’être en contact avec l’art. Et pendant cette période, la danse était pour moi une maison. Alors que j’étais en conflit interne avec la musique, la danse était là, me ramenant toujours à la musique.
Lorsque je suis arrivé à Paris et que j’ai reçu un accueil chaleureux de la scène locale, je me suis immergé dans Blossom Talent Agence , ce qui était très important. J’ai passé des journées en contact avec la musique, en créant et en enregistrant. Blossom m’a également proposé d’enregistrer une partie de mon clip ici, et nous avions déjà enregistré une autre partie à Florianópolis avec Cinema Perene, la société cinématographique de mon frère. Ce n’était pas un plan, mais quelque chose qui s’est produit naturellement. Lorsque Blossom m’a proposé d’enregistrer le clip, j’ai pensé que ce serait une excellente opportunité de montrer que la musique était à nouveau présente dans ma vie, en tant qu’artiste indépendante, entourée de gens qui croient en mon travail et qui le font exister.
Je voulais raconter cette histoire d’une manière non littérale, mais qui laisserait un souffle d’inspiration à celui qui la regarderait, et qui serait aussi une continuation de Lua Ferida. Si vous regardez la fin de Lua Ferida, vous verrez que le clip d’ Adir et Faú commence avec la même idée, et les couvertures des deux clips s’emboîtent presque comme un puzzle en miroir. Si vous rassemblez les couvertures de Lua Ferida et Adir e Faú , vous verrez qu’elles se connectent.
Il était essentiel d’avoir à mes côtés Leonor Escola, qui m’a préparé au métier d’acteur et qui a également réalisé avec moi le clip. Travailler avec quelqu’un qui vous prépare à agir est incroyable, car cette personne est profondément liée au message que nous voulons transmettre. La partie tournée à Paris a également été tournée avec Blossom , créant ainsi une collaboration artistique indépendante. Ce processus a eu une signification profonde pour moi, car il démontre comment l’art indépendant peut être accueilli et réalisé.
Ces deux villes, Florianópolis et Paris, représentent une grande partie de mon histoire, et le clip en transmet un peu. La différence climatique visible, avec la partie de Paris filmée au Jardin de Luxembourg, par une journée nuageuse d’automne, et la partie de Florianópolis, filmée un jour d’été, illustre également la diversité des époques et des environnements dans lesquels se trouve l’artiste, mais toujours au service de son objectif de répandre la beauté dans le monde entier.
Combiner chant et danse orientale est une combinaison qui demande beaucoup de préparation physique et vocale. Quel a été le plus grand apprentissage au cours de ce processus intense et comment a-t-il transformé votre façon de vous exprimer artistiquement ?
Wow, ce processus a transformé toute ma notion de la performance scénique. Beaucoup, comme ça. Et ce processus, j’ai toujours été très engagé dans l’étude, je suis un peu nerd à propos de tout, toujours très dévoué, mais ce processus m’a demandé encore plus d’étude. Je devais au minimum m’entraîner et faire des exercices d’orthophonie au moins deux fois par jour, tous les jours. Ainsi, tout ce processus m’a donné de nombreuses leçons sur le pouvoir de la discipline et le pouvoir transformateur de la pratique. J’ai toujours cru cela, mais le voir en pratique, c’était autre chose. Quand nous avons commencé avec Glaucia et Jade, je ne savais ni danser ni chanter une phrase. Je n’arrivais pas à sortir une phrase ! Et je me suis dit : « Waouh, je n’y arriverai pas. Ça ne marchera pas. » Et ils croient toujours. J’ai pensé : « Donc, je dois faire confiance aux personnes que j’ai appelées pour m’accompagner dans ce processus. Je vais leur faire confiance et faire tout ce qu’elles me disent de faire pour voir si ça va marcher. Et c’était tout. J’étais accro à la discipline et à la confiance que j’ai en ces incroyables professionnels. J’ai suivi toutes les instructions et fait tous mes devoirs. Et, en cela, j’ai vu mon corps se transformer : l’agilité, la respiration, la régularité. Donc ça a tout changé. Mon spectacle a franchi plusieurs étapes grâce à ce processus, car aujourd’hui j’ai beaucoup plus de liberté pour bouger, pour danser non seulement sur cette chanson, mais sur d’autres, pour découvrir et transmettre des messages à travers mes mouvements. Je pense que ça a tout transformé, comme ça. Ce processus a apporté la routine de soins qui me convient le mieux. Maintenant, je connais bien plus mon corps, ma voix, mes performances, mes limites. Je sais, « Ah, ça manque ici. » J’en sais beaucoup plus grâce à ce processus. Et encore une fois, le pouvoir de la discipline et de la pratique.
Vous mentionnez l’artiste Baloji comme source d’inspiration pour le style visuel du clip. Comment a-t-il influencé votre façon de voir l’art et comment cela se reflète-t-il dans votre travail ?
Pour moi, la rencontre avec Baloji et son art a été une étape importante. Je l’ai rencontré grâce à mon frère, François Muleka , qui m’a fait découvrir un clip. Il était déjà fasciné par l’audiovisuel et j’étais émerveillé, notamment parce que François Muleka et moi sommes nés et avons grandi au Brésil, mais nous sommes issus de familles congolaises. Nous sommes Congo-Brésiliens. Et il y a un grand « pas de place » dans cet aspect de l’identité, parce que nous ne sommes pas assez brésiliens, ni assez africains, et nous nous retrouvons dans un espace d’afro-brésilien totalement différent, qui n’est pas le même que le peuple afro-brésilien. , droite? Nous sommes des Africains brésiliens. Nous n’avons donc pas le même lien de contexte socioculturel avec les gens qui nous ressemblent au Brésil. Cela nous a toujours fait nous sentir un peu isolés, tu sais ?
Lorsque nous avons découvert l’art de Baloji , qui est congolais-belge, nous nous sommes beaucoup identifiés à l’idée d’ afro-contemporanéité et avons mieux compris les questions d’appartenance. On parle beaucoup d’ascendance, mais le débat sur l’Afrique contemporaine au Brésil est encore très faible. Il y a beaucoup d’Africains au Brésil. Où sommes-nous? Que faisons-nous ? Et tout le temps, nous sommes considérés comme des étrangers et nous sommes exclus de ces discussions, mais lorsqu’il s’agit des privilèges qui nous affectent, ils nous affectent tous. Il y a donc toujours eu ce manque de compréhension.
Une autre rencontre importante pour la compréhension de l’afrocontemporanéité a eu lieu avec Lamèque. Macaba , que j’ai rencontré ici à Paris. C’est un intellectuel musical et aussi musicien, mais il parle beaucoup d’ afrocontemporanéité . Il est également un artiste afro-contemporain angolais-brésilien . Sa famille est angolaise, il est né et a grandi au Brésil et vit à Paris. Il a mené cette conversation de manière très intellectuelle, ce qui a permis de mieux comprendre cette problématique.
le travail de Baloji , nous nous y sommes vus. Je considère que je me suis vu comme une possibilité d’existence et d’identité au moment où j’ai découvert le travail de Baloji , non seulement en tant que chanteur, rappeur et chanteur, mais surtout en tant que quelqu’un qui exprime la visualité comme il le fait dans ses œuvres visuelles et audiovisuelles. . Les images fixes sont très émouvantes, elles touchent profondément. Leonor et moi, qui avons réalisé le clip avec moi, avons pensé : « Non, nous avons besoin d’images statiques. » Il est très important de citer la référence, de parler d’où elle vient. Mentionnez Baloji , car je le vois comme une référence pour de nombreux travaux qui émergent, notamment dans le discours afrofuturiste.
Et il est important de dire que l’afrofuturisme doit aussi passer par l’afrocontemporanéité . Il faut comprendre que l’Afrique dont on parle tant, que se passe-t-il aujourd’hui dans ces pays, où sont ces gens, sont-ils plus proches de nous qu’on ne l’imagine ? Quoi qu’il en soit, je considère le travail de Baloji comme une référence pour beaucoup de choses qui émergent aujourd’hui, mais, malheureusement, je le vois rarement cité. Il est très réconfortant d’omettre les références aux personnes noires, à la peau foncée et aux Africains. Les gens se sentent très à l’aise de nous ignorer lorsque nous sommes la référence, à moins que ce ne soit quelque chose de « battage médiatique ». Et c’est très triste. Je vois cela arriver, même chez les Noirs, qui se sentent à l’aise d’omettre quand nous sommes la référence. Notre intellectualité est publique. C’est le sentiment.
» Adiref Aul » est décrit comme une invitation à la réinvention et à la transformation. Qu’espérez-vous que les auditeurs ressentiront ou découvriront en plongeant dans cette expérience très particulière que vous avez créée ?
Ce que j’espère, ce que j’aimerais, c’est que cela soit une provocation, une invitation à approfondir les choses les plus improbables que chaque être humain puisse avoir en lui. Et aussi un encouragement, non ? Je ne sais pas ce que pourrait ressentir un enfant, par exemple, en découvrant qu’il y a une chanson à l’envers, qu’elle est là, libérée, et c’est tout, non ? Du coup, il y a peut-être quelque chose qu’elle pense, quelque chose qu’elle-même juge fou, comme je pensais chanter à l’envers quand j’étais enfant. Et puis, quand je suis allé chanter pour la première fois, j’en ai eu honte.
J’espère que c’est quelque chose qui encourage les gens et les artistes à regarder leur propre art sans crainte, à regarder ce qui est à l’intérieur d’eux-mêmes sans être trop limités par ce qui est à l’extérieur, pour que les choses émergent de manière innovante, pour que des choses plus diverses apparaissent. , parce que chaque être humain… Et je pense que c’est le message : chaque être humain a une vie unique, très particulière. Et c’est pourquoi le partage est si puissant, car il nous donne accès à des possibilités infinies que nous ne connaîtrons jamais dans notre vie, car elles viennent de quelqu’un d’autre, d’un autre endroit.
Et ça y est, j’ai soif de ça, de voir la vraie perspective, de la façon dont les autres voient le monde, et comment, parfois, cela est limité par ce qui est « vendable » ou ce qui gagnerait un public. Quoi qu’il en soit, ce que j’espère et ce que j’aimerais vraiment, c’est que cela soit provocateur en ce sens et que cela incite les gens à regarder, à donner la parole et à faire place à des choses qu’ils pourraient même juger « folles » dans l’art lui-même, dans la création. lui-même. Un regard créatif sur le monde, les possibilités et la créativité elle-même.
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