L’auteur-compositeur-interprète Nathan Fronza sortira le 27 février le single « Pessimismo da Razão » (Pessimisme de la raison), titre phare de son EP « Paz, Pão e Terra » (Paix, Pain et Terre), paru chez Marã Música. Inspirée par la célèbre phrase d’Antonio Gramsci, la chanson traduit la mélancolie comme un moment charnière entre la paralysie et le retour de l’espoir, reflétant une période délicate dans la vie de l’artiste. Dans une interview, Nathan révèle que la chanson est née alors qu’il songeait à tout abandonner, transformant la composition en un dialogue intime sur la douleur, la résilience et les nouveaux départs. Puisant son inspiration dans le rock et le R&B, et puisant son inspiration chez des artistes comme Jimi Hendrix et John Frusciante, le single allie intensité émotionnelle et musicale pour délivrer un message clair : même quand tout semble perdu, il est toujours possible de trouver la force de continuer.
« Pessimism of Reason » est né d’un moment très délicat de votre vie et porte en lui une intense charge émotionnelle. À quel moment avez-vous réalisé que cette douleur pouvait se transformer en musique et, plus encore, en quelque chose capable d’aider les autres ?
En fait, c’est arrivé comme ça. J’ai pris ma guitare et la musique a jailli d’elle-même ; elle m’est apparue toute faite, instantanément. J’ai ensuite fait un enregistrement très simple, sans aucune prétention. Le lendemain, je me suis réveillé avec la chanson en tête, et en écoutant l’enregistrement, j’ai réalisé à quel point elle était chargée d’émotion. De temps en temps, je la faisais écouter à mon entourage, et ils me disaient qu’elle les touchait ; certains ont même pleuré en l’écoutant. Aujourd’hui, cette chanson voit le jour officiellement, et j’espère qu’elle touchera le cœur de ceux qui souffrent, surtout ceux qui sont sur le point d’abandonner, comme je l’étais quand elle est née. Après tout, cette chanson m’a sauvé la vie.
Au sein de l’EP « Peace, Bread and Earth », chaque morceau représente une manière différente d’appréhender les frustrations du quotidien. Pourquoi avoir ressenti le besoin d’insuffler de la mélancolie dans cet espace de transition entre la paralysie et le retour à la force intérieure ?
Adopter une attitude combative exige de nombreux sacrifices, et il arrive un moment où l’on se sent complètement seul, se demandant même si le combat en vaut vraiment la peine. En y réfléchissant bien, on pourrait même conclure que non. Viendra un moment où il ne sera plus possible d’ignorer cette souffrance ; la seule option sera alors d’avancer malgré la douleur. C’est peut-être dans ces moments-là que l’on trouve la force de continuer. Car souvent, avancer nous oblige à adopter une attitude combative.
La musique aborde directement « l’optimisme de la volonté », inspiré par l’idée de Gramsci. Comment s’est déroulée la construction de ce « diptyque » émotionnel et conceptuel au sein de l’EP, comme deux étapes d’un même processus intérieur ?
L’un des plus grands défis lors de l’enregistrement d’un EP a été précisément de trouver un moyen de faire dialoguer les chansons entre elles, comme les pièces d’un puzzle. Au départ, les chansons n’avaient pas de titre, elles existaient simplement. J’ai toujours senti que les deux chansons devaient aller ensemble, car « Pessimism of Reason » évoquait la solitude d’une nuit pluvieuse, tandis que « Optimism of Reason » me donnait l’impression que le ciel s’ouvrait à nouveau et, avec lui, l’espoir nécessaire pour aller de l’avant. Cette introduction, qui est devenue plus tard « Optimism of Will », m’est venue naturellement en observant ma chienne, Flor, dormir. Les jours suivants, j’ai réalisé que je jouais toujours cette même suite d’accords quand je n’allais pas bien, et que d’une certaine manière, cela m’aidait à me recentrer, comme une douce chaleur au cœur. Ainsi, cette citation de Gramsci m’échappait parfois lors de conversations avec l’équipe, jusqu’à ce que Leo, qui a notamment réalisé le clip de « A Última Sombra », nous fasse remarquer que nous devrions l’utiliser d’une manière ou d’une autre dans l’EP. C’est alors qu’au beau milieu d’une réunion, nous avons eu l’idée de la scinder en deux et de la répartir entre les deux derniers morceaux de l’EP.
Vous décrivez le processus d’écriture comme une sorte de dialogue intérieur, presque thérapeutique. Une fois la chanson terminée, quelle a été la principale transformation qu’elle a engendrée en vous ?
Je crois que le simple fait de m’être réveillé le lendemain était déjà une transformation immense, car j’étais vraiment dans une impasse. Je crois qu’après ce moment, j’ai commencé à comprendre qu’il vaut toujours la peine d’aller de l’avant, et que quelle que soit l’intensité de notre souffrance, demain sera un autre jour et, à notre réveil, nous penserons que cela valait la peine de continuer.
La participation de votre père à l’enregistrement confère au projet une dimension émotionnelle très forte. Que représente pour vous cette rencontre familiale au sein de la musique, notamment dans un morceau aussi intime ?
Je n’ai même pas les mots pour décrire ce que cela représente pour moi. D’abord, parce que c’est un musicien phénoménal, et je le pense vraiment. Il a une brillante carrière musicale et enseigne dans l’une des plus grandes écoles de musique d’Amérique latine, aux côtés de certains des plus grands musiciens du pays. Jouer avec un musicien de la vieille école est une expérience difficile à expliquer, car ces musiciens ont eu une expérience très différente de celle de ma génération. Ils n’avaient pas YouTube ; l’apprentissage de la musique se faisait à la dure. Ils vivaient souvent avec leurs camarades de groupe et jouaient toute la journée, et le soir, ils sortaient encore jouer, tous les jours, pendant des décennies. Mon père est un homme parti de rien qui a tout consacré à la musique, et même aujourd’hui, il étudie toute la journée, en plus d’enseigner et de jouer. Pouvoir jouer avec un musicien de ce calibre est extrêmement enrichissant, car il y a une perception extrêmement fine, qui permet de percevoir chaque détail, en plus d’un excellent goût, qui est peut-être le plus important. Sur ce morceau, il a enregistré la ligne de basse et quelques pistes de guitare. Il a également enregistré la ligne de basse d’« Otimismo da Vontade » (Optimisme de la volonté). Autre point important : j’étais producteur et ingénieur du son pour l’EP, ce qui signifiait que je devais prendre toutes les décisions concernant le son. Même si nous avons l’habitude, on ressent toujours une certaine appréhension lorsqu’on enregistre avec un musicien de ce calibre. Et puis, bien sûr, il y a le fait qu’il est mon père, celui qui est là depuis ma naissance. Alors, chaque fois que j’écoute cet enregistrement, je suis très ému.
Le solo final, improvisé en une seule prise, semble symboliser une rupture, un tournant. Te souviens-tu de ce que tu ressentais à ce moment précis où tu as décidé de simplement « laisser faire » ?
À ce moment-là, je ne pensais qu’à une chose : « Il me faut un solo ici. » J’ai décidé d’enregistrer un accompagnement de guitare, sans vraiment savoir quoi faire. J’ai d’abord appuyé sur « Enregistrer », puis j’ai réfléchi à ce que j’allais faire, ce qui m’arrive souvent. J’ai commencé à enregistrer une suite d’accords et j’ai soudain senti le besoin de changer de tonalité, ce que j’ai fait. J’ai alors appuyé de nouveau sur « Enregistrer » et j’ai enregistré le solo en une seule prise. C’est précisément ce solo-là qu’on retrouve sur l’enregistrement, mais tout le reste a été réenregistré, y compris les pistes d’accompagnement. Dans la version finale, mon père joue l’accompagnement du solo, avec la basse. Je suis certain que si j’avais essayé d’enregistrer le solo plusieurs fois, je n’aurais pas pu conserver la même énergie. C’est un réflexe que j’ai hérité de la vieille école, car aujourd’hui, on veut tout faire à la perfection. J’aime cette approche plus organique, plus « à l’ancienne », qui privilégie l’authenticité. Je crois que j’ai été inspiré par John Frusciante des Red Hot Chili Peppers pour créer ce solo, car c’est un gars totalement authentique.
En parlant ouvertement de santé émotionnelle et de l’intensité accrue de la douleur chez les personnes neurodivergentes, vous vous exposez à une grande vulnérabilité. Qu’est-ce qui vous a motivé à transformer cette expérience personnelle en un message de soutien public ?
Je crois que je n’ai tout simplement pas le choix, vous savez ? Parfois, on essaie de jouer les forts, d’affronter tous les défis et d’adopter une attitude héroïque, mais à un moment donné, il faut rendre des comptes et accepter la réalité : nous avons tous nos faiblesses. Il est crucial que l’on parle davantage de santé mentale, car jusqu’à récemment, on évitait tout simplement d’en parler, on disait que c’était absurde et on passait à autre chose. Parfois, on prétendait même qu’il suffisait de travailler dur et de s’occuper l’esprit pour éviter la dépression, mais aujourd’hui, nous savons que c’est faux. Nous avons perdu de grands artistes parce qu’ils ne savaient pas comment gérer ces problèmes ; beaucoup d’entre eux n’ont même jamais découvert qu’ils souffraient d’un trouble quelconque. J’ai moi aussi perdu des proches pour ces mêmes raisons, et c’est très triste de penser que beaucoup de ces personnes seraient encore parmi nous si elles avaient trouvé un traitement adapté. Il existe des facteurs aggravants lorsqu’on parle de personnes neurodivergentes, c’est-à-dire dont le cerveau fonctionne différemment de la norme. Cela peut rendre leur adaptation à une société qui n’a tout simplement pas été conçue pour eux extrêmement difficile. J’ai récemment reçu un diagnostic d’autisme et de haut potentiel intellectuel, et c’est la première fois que j’en parle publiquement, en partie parce que je suis encore en train de comprendre ce que cela signifie. Mais d’une certaine manière, je me sens plus confiante en l’avenir maintenant que j’ai les outils pour trouver des moyens de me sentir moins à part dans la société. Ce sentiment de décalage est très difficile à vivre ; c’est comme être un cygne vivant au milieu de canards, ou inversement, et devoir se comporter comme eux, même si l’on est différent. Outre tous les préjugés qui persistent concernant ces questions, je sais par exemple que certaines personnes me regarderont différemment dès qu’elles apprendront mon diagnostic, et j’ai dû choisir entre perdre ces personnes et pouvoir entrer en contact avec des personnes qui se sentent décalées et qui ont besoin d’aide, et je pense que je fais le bon choix. Alors chaque fois que j’en parle publiquement, j’espère que cela encourage, d’une manière ou d’une autre, quelqu’un à demander de l’aide s’il souffre, car personne ne devrait affronter ces problèmes seul, et même s’ils le voulaient, ils n’auraient probablement pas les outils nécessaires pour le faire.
Vous avez mentionné que vous cherchiez encore le courage de sortir et de jouer cette chanson car elle aborde un sujet très sensible. Comment espérez-vous vous sentir lorsqu’elle touchera enfin le public et commencera à créer des liens au-delà de vous ?
Je n’arrive même pas à y penser ; j’essaie simplement de ne pas me faire d’attentes et de voir ce qui se passe, comme si j’explorais un territoire totalement inconnu, le cœur ouvert à tout ce qui viendra. En même temps, j’ai très envie de parler aux gens et de mieux comprendre ce qu’ils ressentent, car d’une certaine manière, j’en ai aussi besoin pour avancer. Je constate qu’il existe souvent un mur entre l’artiste et le public, ce qui, dans une certaine mesure, peut être sain pour préserver la santé mentale et l’intimité de l’artiste, qui est un être humain comme les autres et a besoin de cet espace. Cependant, j’espère que cette chanson pourra faire tomber ce mur et me permettre de nouer une relation plus profonde avec les gens, car je sais que j’ai beaucoup à apprendre d’eux.
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