Le duo VARO , formé par les musiciens Felipe Romano et Heitor Vallim, sortira l’album « Território Latinoamericano » le 28 novembre. Disponible sur toutes les plateformes de streaming musical via Marã Música, cet album instrumental de 13 titres propose un voyage sonore célébrant la pluralité des peuples d’Amérique latine. Il mêle influences afro, européennes et amérindiennes dans une texture musicale qui reflète la diversité des identités présentes dans les racines culturelles du Brésil.
Avec des mélodies saisissantes mêlant héritages rythmiques et parcours personnels, l’album puise son inspiration dans les expériences des artistes et le territoire qui les abrite, créant une musicalité que le duo qualifie de « latine afro-européenne amérindienne ». Inspiré par la vie urbaine, « Território Latinoamericano » se présente comme une bande-son du quotidien, évoquant rues, paysages et habitants, et puisant dans des genres qui transcendent les frontières culturelles : piseiro, cumbia, baião, maracatu, coco pernambucano, rythmes cubains et samba, entre autres.
Sans paroles, les compositions s’adressent directement au corps et aux émotions, portées par des rythmes qui relient l’auditeur à son héritage afro-latin dans une expérience sensorielle et dansante. Fort d’une carrière jalonnée de prestations nationales et internationales, notamment au Santos Jazz Festival, au festival PaCuba (Cuba) et à Gliding Barnacles (Portugal), VARO s’impose comme l’une des forces les plus dynamiques de la musique instrumentale latino-américaine contemporaine et souhaite, avec cet album, élargir le dialogue avec de nouveaux publics et approfondir la compréhension de ce que signifie être latino-américain aujourd’hui.
Vous décrivez cet album comme une bande-son de la vie quotidienne en Amérique latine. À quel moment de la journée, dans quel paysage ou scène imaginez-vous quelqu’un écoutant « Território Latinoamericano » et se disant : « C’est exactement le son de chez moi » ?
Ah, je crois bien ! Parce que c’est une musique née du mouvement, de la marche, de la réflexion sur le quotidien urbain . Les mélodies sont nées des déplacements sur le territoire… par exemple : je conduis une moto, n’est-ce pas ? Certaines mélodies ont été créées dans la circulation , en observant les feux tricolores, les gens et les lieux. Je pense que notre musique se perçoit dans l’ambiance sonore des villes. Une musique qui naît de la marche dans la rue, n’est-ce pas ? Mais elle trouve aussi sa place partout : à la plage, en déplacement, au travail, en faisant la vaisselle, en cuisinant, en faisant le ménage… partout !
C’est parce que les chansons ont été composées en lien avec le territoire brésilien et latino-américain, et qu’elles reflètent aussi nos expériences de voyage, n’est-ce pas ? Nous avons fait deux voyages importants, l’un à Cuba et l’autre au Portugal, avec notamment une chanson intitulée « Piseiro da Foz », qui est un mélange de piseiro, de Santos, et d’un style « nord-est brésilien », en contraste avec la petite ville côtière de Figueira da Foz, au Portugal. Je pense que notre musique trouve un écho auprès des Brésiliens et des Latino-Américains, qu’ils soient au Brésil ou à l’étranger, et qu’elle trouvera sa place d’une manière ou d’une autre, quelque part : à la plage, en ville, de jour comme de nuit, partout . Et VARO Sa musique accompagnera la vie des gens.
Ce projet est né de la rencontre entre des racines afro-européennes et amérindiennes. À quel moment de sa création avez-vous eu le sentiment de ne pas simplement composer de la musique, mais d’accéder à quelque chose qui vous avait précédé, à un héritage ?
Alors, je crois que la question de l’ascendance est inscrite dans nos gènes ! Moi (Felipe), avec mes premières expériences musicales, je suis profondément attaché à mes racines. Mon grand-père m’a initié aux percussions, mon père m’a inscrit à des cours de samba, ce qui a renforcé mon goût pour cet instrument. Nos familles ont des origines indigènes et africaines , et l’art fait partie intégrante de notre éducation, aussi bien celle d’Heitor que la mienne . Je (Felipe) pratique le maracatu depuis 22 ans ; je suis le chef d’orchestre du groupe Quiloa. Mon parrain m’a quant à lui transmis sa passion pour la basse, une musique brésilienne de la frontière avec le Mato Grosso , et m’a fait découvrir Helena Meireles. Heitor, lui, a grandi avec son père et son grand-père, tous deux guitaristes à la maison, et a appris d’eux, des classiques de la musique brésilienne et internationale, influencés par les goûts de son père, à la musique traditionnelle à l’alto que son grand-père Séptimo écoutait. C’est donc assez naturel que les compositions émergent, de façon presque organique, car cet héritage est inscrit dans l’ADN du duo.
« Les mélodies parlent comme des paroles », affirmez-vous. Si chaque morceau avait une phrase qui traduisait son sentiment principal, quelles en seraient quelques exemples ?
Quand on dit que les mélodies font office de paroles, c’est parce qu’elles sont accessibles et populaires. Lors de nos concerts, on entend toujours le public fredonner. Les samples, quant à eux, donnent une direction, contextualisent le titre du morceau, enrichissent son histoire et font intervenir les gens, les travailleurs, les maîtres folkloriques, etc. Ils créent un lien avec la mélodie et instaurent un dialogue avec le territoire. Prenons l’exemple de Cumbia Kingston, qui évoque les clameurs d’un stade de football, ou de Malandro Praieiro, qui met en scène le phénomène de la « tête de glace » (une expression brésilienne désignant une personne très réservée ou facilement distraite), avec les voix de Dona Selma do Coco , Dona Zabé, Helena Meireles, Celia Cruz, et bien d’autres .
L’album explore des rythmes tels que la cumbia, le piseiro, le maracatu, le baião, la samba et Des sonorités cubaines. Y a-t-il eu un genre ou un élément rythmique qui vous a surpris au cours du processus, comme si la musique avait décidé d’elle-même de sa direction ?
Oui. Nous n’allons pas tous les citer, mais une bonne partie . « Danza del Mar » ( La Danse de la Mer) est d’abord tirée d’une chanson avec des paroles, change de genre et les paroles disparaissent, « Trilha do Mar » (Le Sentier de la Mer), qui est un coco de Pernambouc, rythmiquement très entraînant, dansant, puis vient une mélodie, se déploie, et finit par se transformer en une sorte de coco de danse contemplative, et finit par créer cette fusion, le rythme pousse vers l’avant, dansant, la mélodie qui fait réfléchir. Je pense donc qu’il y a un peu de ça. Où la musique acquiert une vie propre.
Felipe possède une vaste expérience en tant que maître reconnu de Maracatu Quiloa. Quels enseignements du maracatu – techniques, philosophiques ou spirituels – percevez-vous sur cet album ?
En fait, la structure des compositions s’organise selon les principes des chants folkloriques, des louanges, des chants populaires et des chants religieux, ce qui explique la présence de la répétition. C’est pourquoi la mélodie y occupe une place prépondérante, à l’instar de la culture du chant autochtone, où elle est particulièrement présente. Les mélodies structurent les différentes parties de la musique ; le genre, le rythme et le sample créent un lien entre la composition et le contexte social, culturel et territorial. Quand on entend l’hommage, dans la musique de Selma Heleno Zabé, ou dans Rainha Caribenha, ou comme Maracatu Batuque Nosso , qui fait référence aux maîtres à travers des samples, de Rainha Elda Viana, Mestre Afonso, Dona Olga, ou dans la chanson Malandro Praieiro, qui fait référence à Cabeça de Gelo, cela finit par évoquer le territoire, l’enseignement et l’ascendance, qui sont le pilier de Maracatu, en plus de rendre hommage à l’ancêtre et aux contemporains qui cheminent ensemble sur le territoire, répondant à la question. Je pense que Quiloa est très présent au-delà de la manifestation de Maracatu, tout comme Dje ‘I aea aldeia Tabaçu Reko Ypy qui participe également à la chanson Maracatu Batuque Nosso .
Cet album invite à une compréhension plus profonde de ce que signifie être Latino-Américain aujourd’hui. Pour vous, quelle a été la plus grande découverte personnelle concernant l’identité lors de la création de « Território Latinoamericano » ?
Je crois donc que la plus grande découverte a été de comprendre qu ‘« être latino-américain » ne se résume pas à une seule chose, que l’Amérique latine n’est pas uniforme. Nous avons constaté que l’individualité et l’authenticité engendrent une magnifique diversité, et l’une des caractéristiques que nous percevons lors de nos voyages est l’accueil, l’affection, la passion et la chaleur humaine qui règnent partout en Amérique latine .
Et le Latino-Américain d’Argentine n’est pas le même que celui de Santos ou de Pernambuco, l’Uruguayen n’est pas le même que celui de Cuba, ni que les habitants du Pará, le Latino-Américain du Rio Grande do Sul n’est pas le même.
Chaque récit est construit différemment, et pourtant, au sein de ces différences , une similitude se dessine inexplicablement. Malgré les efforts du colonisateur pour éliminer les peuples autochtones et africains, ainsi que leurs origines, et pour imposer la culture européenne, sa langue et autres caractéristiques, un lien semble nous unir. Nous avons envie de voyager davantage pour approfondir cette question !
Le corps est une composante essentielle de cette œuvre, une pièce instrumentale qui invite au mouvement. Quelle a été la réaction corporelle la plus marquante que vous ayez observée ou imaginée chez une personne à l’écoute d’un de ces morceaux ?
Je pense aussi que le corps est l’essence même de l’album et de VARO . C’est l’héritage des peuples autochtones d’origine africaine, et il est présent dans le langage du tambour. C’est comme une injection d’énergie qui permet à la musique de s’écouler et, naturellement, de se diffuser directement dans le corps. Par exemple, quand on écoute une chanson assis, on danse, on bouge les hanches ou les épaules. J’ai l’impression que les chansons que nous composons sont constamment imprégnées de cette dimension corporelle. Moi-même, je bouge la tête au rythme de la musique comme si elle jouait déjà, car la vibration est déjà en nous ! Le corps, et notamment le corps qui danse, est donc omniprésent.
En pensant aux futurs visuels de l’album et au clip vidéo que vous prévoyez de sortir : si la caméra pouvait capturer non seulement des images mais aussi des sensations, quelles couleurs, textures et gestes seraient essentiels pour traduire cette œuvre sous forme audiovisuelle ?
Nous explorons actuellement des pistes pour enrichir la musique et trouver des solutions créatives pour une production audiovisuelle à la fois esthétique et divertissante. Nous avons un scénario provisoire et une caméra en main, avec de nombreuses idées en tête pour le clip de « Malandro Praia » , qui s’inspirera fortement du concept du corps et des danses populaires latino-américaines, en utilisant des images anciennes et nouvelles, probablement sur la plage.
Nous suivons une fois de plus ce principe de création de contextes territoriaux avec un album qui possède les caractéristiques d’une bande originale latino-américaine. Voilà, je pense que nous nous dirigeons déjà vers un clip pour « Malandro Praieiro » , et je vous invite à regarder nos vidéos déjà sorties, en lien avec notre album Território Latinoamericano. Nous sommes très heureux de pouvoir vous présenter ceci, arriba, Vale, simbora! axé!
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