Le 30 janvier, l’auteur-compositeur-interprète et guitariste Nathan Fronza sort « A Última Sombra » sur toutes les plateformes de streaming musical via Marã Música, inaugurant ainsi un nouveau chapitre dans sa carrière puisqu’il y interprète également des chansons. Mêlant rock brut, symbolisme spirituel et regard critique sur l’effondrement social et environnemental, le morceau se présente comme un manifeste, un appel à la transformation, intérieure et extérieure.
« La Dernière Ombre » commence par un « cri de guerre ». Quel genre de guerre meniez-vous là-bas — plutôt contre le monde extérieur (climat, système, apathie) ou contre quelque chose en vous-même ?
En fait, c’est un peu des deux. Ce riff m’est venu spontanément dans un moment de grande angoisse ; j’avais l’impression d’exploser, il fallait que je l’extériorise. Dès le départ, je savais qu’il était destiné à être chanté à plusieurs voix et qu’il avait une force incroyable. Tout au long de la composition, j’ai compris qu’il nous invitait à adopter une attitude combative, ce qui représente déjà un défi de taille, car si on se laisse aller, on finit par vivre en pilotage automatique et on abandonne ce qui compte vraiment. En parlant ainsi, cela me fait même penser à Cazuza chantant « ce jeune homme qui voulait changer le monde… changer le monde… », mais la différence, c’est qu’aujourd’hui, nous vivons un moment où nous devons changer le monde, et vite ! On détruit tout. Il faut donc que quelque chose change en nous pour que nous prenions conscience de ce qui se passe et, à partir de maintenant, que nous cessions de banaliser des absurdités comme la crise climatique.
Vous parlez du feu comme d’une transformation, mais aussi comme d’un avertissement concernant les feux de forêt et le dérèglement climatique. À quel moment avez-vous réalisé que cette chanson devait être un message, et non une simple expression ?
C’est fou comme la musique me vient à l’esprit d’un coup, et c’est seulement après que j’en comprends le sens. Elle est née d’un besoin de m’exprimer, mais il est impossible de parler de la crise climatique sans prendre position ; cette chanson nous interpelle et nous empêche de nous complaire dans l’illusion de la « neutralité ». Le feu possède une symbolique très forte dans diverses croyances, car rien ne le traverse sans être transformé. Outre le fait qu’il représente ce que nous appelons la spiritualité, il symbolise ici aussi les incendies artificiels et arbitraires, déclenchés uniquement pour le profit d’une poignée d’individus. Ce problème est urgent ; nous devons agir.
La phrase « ils ont vendu le ciel et personne ne me remboursera » est très percutante. Lorsque vous l’avez écrite, qu’est-ce qui vous a particulièrement touché : la destruction de l’environnement en elle-même, l’inégalité d’accès au « ciel bleu », ou le sentiment d’impuissance collective ?
C’était indéniablement tout ça à la fois. Vous connaissez cette situation où l’on rit pour ne pas pleurer ? Il y a même une pointe de sarcasme dans cette expression, vu qu’on a perdu le droit à un ciel bleu parce que certains ont pris cette décision pour s’enrichir encore davantage. Je parle d’une période précise où le ciel est resté gris pendant plusieurs semaines d’affilée. C’était insupportable de ne plus voir le ciel, de ne plus sentir cette fumée, cet air sec qui irritait la gorge, et surtout, de voir aux infos ce qui se passait dans les forêts… On se sentait impuissant : est-ce que ça va vraiment arriver ? Personne ne va rien faire ? Le ciel bleu est-il devenu un souvenir du passé ?
La musique possède une dimension spirituelle : elle nous confronte à nos propres parts d’ombre. Quelle a été la part d’ombre la plus difficile à admettre durant ce processus, et qu’est-ce qui a changé en vous après l’avoir affrontée ?
J’ai découvert le terme « ombre » lors de rituels chamaniques. Il désigne les parts de nous-mêmes qui nous effraient le plus. J’ai compris que dans notre société, nous avons tendance à éviter d’affronter nos ombres ; nous les ignorons et passons à autre chose, faisant de même avec nos angoisses et même nos traumatismes. À l’inverse, certaines cultures estiment qu’il faut se confronter à ses ombres, regarder en face ce qui nous hante le plus et ressentir pleinement cette douleur. Après tout, il n’y a rien de mal à ressentir cette douleur ; elle est là, et il faut l’accepter. Dès lors, j’ai commencé à analyser mon existence sous un nouvel angle, surtout au sein d’une société organisée selon un modèle de production capitaliste qui nous conditionne à penser d’une certaine manière dès la naissance. J’ai constaté beaucoup de choses qui devaient changer en moi, et beaucoup d’autres qui doivent encore changer, mais je crois que l’essentiel est que je suis devenue plus sensible à moi-même et aux autres, à la nature et même aux inconnus.
Tu t’es fait connaître de beaucoup comme guitariste et youtubeur, et maintenant tu prends le micro en tant qu’artiste. Qu’est-ce qui te fait le plus peur : faire une fausse note sur scène ou te livrer émotionnellement dans une chanson ?
Ce que je fais sur YouTube est incroyable, car cela m’a permis d’entrer en contact avec des gens du monde entier, et notamment avec des personnes que je n’aurais jamais rencontrées autrement, malgré mes nombreux déplacements pour les concerts. De plus, j’ai pu beaucoup discuter avec eux et briser la barrière qui existe souvent entre l’artiste et le public. Une bonne partie de mes abonnés jouent aussi de la guitare, et nos conversations tournent souvent autour de notre instrument. Il arrive fréquemment que quelqu’un vienne me voir, tout excité, en me disant qu’il a formé un groupe et qu’il va donner son premier concert, puis me demande conseil. Je suis ravi, car je sais combien ce moment est spécial, et le principal conseil que je donne généralement est : « N’ayez pas peur de faire une fausse note ! » Je le dis toujours pour plusieurs raisons : d’abord parce que cela arrivera probablement, et surtout parce que je crois que si vous montez sur scène avec cette peur, c’est déjà perdu. Vous ne pourrez pas profiter du moment, et le concert ne sera pas bon, même si vous avez joué toutes les notes justes. Sur scène, il faut interagir avec les autres artistes et avec le public. La scène est un lieu sacré. Je n’ai donc jamais eu peur de faire une fausse note, mais je ne peux pas en dire autant de l’expression de mes émotions dans une chanson ; cela me rend totalement vulnérable et déstabilisée. Mais j’ai appris qu’il faut affronter ses parts d’ombre et ses peurs, n’est-ce pas ? Alors, allons-y !
L’introduction est née d’un rituel chamanique et n’est devenue une chanson complète que des années plus tard, après un mois de ciel gris. Avez-vous le sentiment que certaines idées « attendent » que la vie se déroule pour prendre tout son sens ? Qu’avez-vous ressenti en réalisant que cette graine semée en 2020 était devenue une question urgente ?
Oui, je crois que les choses arrivent en leur temps, et qu’on ne peut pas forcer les choses. Quand le moment est venu, tout se déroule naturellement ; c’est comme si l’idée surgissait toute faite dans votre tête. Mais bien sûr, attendre l’inspiration ne suffit pas ; il faut travailler. J’avais déjà cette introduction prête, mais je ne savais pas comment l’utiliser, jusqu’au jour où j’ai commencé à réfléchir à la création d’une œuvre originale. J’ai alors griffonné quelques idées et revisité certaines de mes compositions. Cette introduction était là, mais je n’avais aucune idée de la suite, jusqu’à ce que le ciel devienne bleu et que l’inspiration me vienne. Je me suis alors lancé et j’ai terminé la composition. Rodrigo a réussi à créer une ligne de batterie qui correspondait parfaitement à ce dont la chanson avait besoin, car il lui fallait une touche tribale pour exprimer son idée, et il a parfaitement réussi. Il est mon partenaire musical depuis de nombreuses années maintenant. En y repensant, je crois que la musique a émergé d’elle-même ; c’est quelque chose de bien plus grand que moi et qui se serait déroulé différemment autrement. Je l’ai simplement ressentie et enregistrée ; c’est comme si les chansons avaient une vie propre. Il est tout simplement né.
Dans la vidéo, il y a deux versions de « toi » : Nathan, le rockeur, et Nathan, un Nathan post-apocalyptique. Si ces deux personnages pouvaient dialoguer pendant 30 secondes, que diraient l’un à l’autre ? Et lequel, selon vous, est le plus proche de la réalité actuelle ?
Je crois qu’au moins la moitié de ces 30 secondes seraient consacrées à se regarder dans les yeux sans un mot. Ce « Nathan » Rock N’ Roll serait probablement une version beaucoup plus jeune de moi-même, avant mes rituels et avant que je ne commence à composer cette chanson. Je crois qu’aujourd’hui, je suis un être à mi-chemin entre les deux, comme si je marchais consciemment vers l’abattoir. C’est pourquoi la chanson dit « en route pour les funérailles » à un moment donné, avec une pointe de sarcasme, comme pour dire : « Que puis-je faire ? » Et je crois que beaucoup de gens se reconnaîtront dans ce sentiment. Le « Nathan » Rock N’ Roll de la vidéo commençait encore à comprendre en regardant les informations. Aujourd’hui, je me sens plus proche du monde post-apocalyptique que du personnage de Rock N’ Roll, et je suis sûr qu’il me dirait de profiter de chaque seconde qui me reste, de serrer dans mes bras les gens qui m’entourent autant que possible et de continuer à me battre. Les deux personnages sont identiques, sur la même ligne temporelle, mais à des moments différents. Ce n’est pas moi qui suis concerné, mais chaque personne qui regarde la vidéo. Chacun a sa propre version, et je suis curieux de savoir à laquelle il s’identifie le plus. J’espère que ce message aidera les gens à se préparer ; qui sait, peut-être pourrons-nous même éviter cette apocalypse ?
Vous avez mentionné que la première prise du clip avait été perdue, ce qui vous a presque découragé, et que l’équipe vous avait aidé à tout recommencer. Que vous a appris cette expérience sur la persévérance ? Et quel sentiment souhaitez-vous que le public éprouve en réalisant que cette œuvre est née « à la force du poignet », malgré la fatigue et l’épuisement ?
Franchement, je n’avais plus la force, mais ce projet me dépassait, tu comprends ? Quand j’ai atteint mes limites, mon équipe m’a remonté la pente et a trouvé une solution. Je suis immensément reconnaissant envers tous ceux qui m’ont accompagné à chaque étape ; c’était un véritable travail d’équipe. Après le premier enregistrement du clip, le gars a tout simplement perdu tous les fichiers. Ces enregistrements avaient été épuisants, on s’était donné à fond. Je me suis retrouvé sans clip, et là, mon ami Leo a proposé de le réaliser et qu’on trouverait une solution. Puis, d’autres personnes ont adhéré au projet : Yuri et sa femme, qui ont déjà réalisé des clips vraiment géniaux avec des groupes ; Lari et ma femme Cris, responsables des costumes et du maquillage ; mes parents, toujours présents même dans les moments les plus difficiles ; et d’autres encore qui m’ont aidé de différentes manières tout au long du processus. On ne réussit jamais seul. Il semblait y avoir une force supérieure à l’œuvre, et abandonner n’était tout simplement pas envisageable. J’espère que ce travail inspirera les gens d’une manière ou d’une autre, en les encourageant à prendre position et à persévérer dans ce qui nourrit leur âme ; sinon, nous finissons par abandonner ce que nous aimons et nous retrouvons soudain au cimetière de nos rêves. Bien sûr, le chemin n’est pas facile, mais j’espère inspirer d’autres artistes à exprimer ce qu’ils ont au fond d’eux, un pas après l’autre.
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