L’auteur-compositeur-interprète Murilo Muraah a sorti son EP, « Ao Vivo no Gugastro Estúdio », le 20 mars, marquant son retour sur scène après plus de 15 ans d’absence. Enregistré lors d’un concert intimiste à São Paulo, ce projet immortalise un moment symbolique dans la carrière de l’artiste, réunissant des chansons de différentes périodes et présentant pour la première fois en live de nouvelles compositions. Dans une interview, Muraah se souvient de l’émotion de ces retrouvailles avec le public et revient sur le processus créatif qui guide sa nouvelle phase artistique.
L’EP « Ao Vivo no Gugastro Estúdio » marque votre retour sur scène après plus de 15 ans d’absence. Qu’avez-vous ressenti émotionnellement en renouant avec la musique en direct et le public ?
Pendant plus de quinze ans, j’ai attendu de voir quand aurait lieu le prochain concert. J’ai répété le retour à plusieurs reprises, mais sans succès. Le spectacle au Gugastro a donc commencé bien avant même que nous montions sur scène. J’avais beaucoup d’appréhension à l’idée de revenir dans ce lieu ; j’étais toujours anxieux, craignant de ne plus être le même. Et je ne l’étais plus, mais finalement, c’était une bonne chose. Malgré l’émotion intense qui m’envahissait, je me sentais en confiance, plus conscient de ma performance et profondément reconnaissant de pouvoir rejouer, ce que j’aime par-dessus tout. Le plaisir d’être sur scène est intact ; je pense que quiconque écoutera ma musique le ressentira.
L’émission a été enregistrée dans un cadre intimiste, entourés d’amis et de famille. Comment cette atmosphère a-t-elle influencé l’énergie de la performance et votre interprétation des chansons ?
Outre la présence de tant de personnes qui me sont chères dans le public et le fait qu’il s’agissait de mon retour sur scène, deux autres facteurs ont rendu ce spectacle inoubliable : le lieu où il a eu lieu et le groupe qui m’accompagnait.
Le studio Gugastro, situé chez mon ami et producteur de renom Guga Stroeter, est un lieu qui accueille régulièrement des événements et des rencontres exceptionnels. Guga y soutient activement des artistes d’horizons et de genres musicaux très divers. Outre des collaborations musicales, j’y ai également participé et animé plusieurs réunions politiques.
Le groupe a été formé par Leo Furlan à la basse, avec qui je joue depuis près de 20 ans, Daniel Maia à la guitare, une référence technique et musicale avec qui j’ai travaillé pendant 8 ans lorsque je dirigeais les studios Fábricas de Cultura, et Jaderson Cardoso à la batterie, un nouvel ami que la musique m’a apporté et qui s’est parfaitement intégré à cette formation.
Tout cela a créé une atmosphère unique pour le spectacle, insufflant émotion et une grande sérénité à la performance. L’ambiance était très détendue, ce qui m’a permis d’être à l’aise pendant le concert, mais aussi de parler des chansons, du projet et d’autres sujets qui me tiennent à cœur. Le public était en parfaite harmonie avec moi, faisant de ce spectacle une étape encore plus marquante de ma carrière artistique.
Durant toutes ces années loin de la scène, vous êtes restée profondément impliquée dans la musique en tant que professeure, productrice et gestionnaire culturelle. Comment cette expérience « en coulisses » a-t-elle transformé votre vision d’artiste ?
Cela m’a complètement transformée. Au début de ma carrière d’artiste, j’en avais une vision plus romantique, sans grande connaissance du marché musical. Je pense que beaucoup d’artistes rencontrent des difficultés pour la même raison. Travailler en coulisses m’a permis de mieux appréhender différents aspects de ce métier, qui vont bien au-delà de la simple maîtrise technique du chant ou d’un instrument. Il s’agit notamment de l’importance du réseautage et du marketing, ainsi que du développement d’une vision plus attentive des aspects artistiques non musicaux, tels que les costumes, les décors, les lumières et, bien sûr, le son.
De plus, mon travail de composition et de production de bandes originales, ainsi que mon expérience d’enseignement, ont contribué à développer mes connaissances des processus de production musicale et mon sens esthétique. J’ai ainsi pu dépasser mes habitudes d’écoute et apprendre à composer et à produire de la musique en considérant de manière plus globale les instruments et les procédés techniques qui les constituent. Cela a eu une influence directe sur la composition de ma propre musique, qui est devenue plus riche et plus ouverte à l’expérimentation.
Mon expérience en tant que directrice des studios Fábricas de Cultura m’a permis de développer une vision plus mature du marché de la musique et de ses évolutions, sans parler des amitiés et des contacts que j’ai tissés au cours des 10 années passées au sein de ce programme.
Le répertoire de l’EP mêle d’anciens titres, de nouvelles compositions et des hommages aux artistes qui ont influencé sa carrière. Qu’a-t-elle ressenti en revisitant ces différentes phases de son histoire au sein d’un même spectacle ?
Le spectacle à l’origine de l’EP comprenait cinq chansons originales, ainsi que des hommages. L’EP se concentre uniquement sur les chansons originales, mais le spectacle complet sera bientôt disponible sur YouTube.
C’était merveilleux de rejouer « Mantenha Contato » et « Esperando Seu Fim », deux titres de mon album « Mundo Dual » sorti en 2006. Parmi les treize chansons de cet album, ce sont celles qui s’intègrent le mieux à mon répertoire actuel, pour différentes raisons. « Mantenha Contato » fait partie d’une période de mes premières explorations spirituelles et s’accorde donc parfaitement avec le cycle « Inquieto Caminhante », où j’explore ces différentes expériences et manières d’interpréter la réalité. « Esperando Seu Fim », quant à elle, a été composée peu après les attentats du 11 septembre 2001 et offre un regard critique sur cet événement qui résonne particulièrement aujourd’hui, face à la nouvelle crise mondiale que nous traversons. L’engagement politique, au même titre que la musique et la spiritualité, est une composante essentielle de mon identité. Interpréter ces deux chansons en concert renforce la vision que je souhaite transmettre à travers elles.
Vous avez mentionné que, dans ce spectacle, vous avez joué du synthétiseur en direct pour la première fois, après de nombreuses années à vous produire avec de la guitare et du chant. Que représente ce changement dans votre évolution musicale ?
Ce changement est le reflet direct des expériences que j’ai évoquées précédemment. Étudier et enseigner la production musicale m’a obligée à sortir de ma zone de confort musicale, m’ouvrant un univers de nouveaux sons et de nouvelles techniques à explorer. Peu d’instruments offrent autant de liberté créative que les synthétiseurs, avec leurs possibilités quasi infinies de manipulation des paramètres sonores. Cela m’a fascinée !
Lorsque j’ai commencé à enregistrer « Percepção », le premier titre de cette nouvelle phase, l’utilisation des synthétiseurs s’est imposée tout naturellement. C’était un choix incontournable ; on les retrouve d’ailleurs dans les autres morceaux. C’est pourquoi j’ai voulu intégrer un synthétiseur à la musique sur scène également, pour explorer les sonorités en live, d’une manière différente de ce que j’avais enregistré. Ce fut une expérience à la fois passionnante et stimulante, car elle m’oblige à repenser et à interpréter les morceaux d’une façon totalement inédite.
Votre musique mêle des influences telles que Os Mutantes, Red Hot Chili Peppers, les Beatles et Chico Science. Comment ces influences s’harmonisent-elles sans que vous perdiez votre propre identité ?
Lorsque je compose une chanson, je procède de manière très organique, laissant les idées jaillir sans chercher à les contrôler. Ainsi, mes principales influences, ainsi que d’autres musiques que j’écoute, se retrouvent naturellement présentes, sans pour autant imposer de contraintes à mes compositions et arrangements.
Je suis devenu musicien en grande partie grâce aux Ramones et au rock brésilien. Alors que je ne savais absolument pas jouer de la guitare, c’est grâce à eux que j’ai commencé à explorer et à comprendre l’instrument. Mes premiers groupes jouaient presque exclusivement des compositions originales et des reprises des Ramones ; mon école, c’était l’éthique du « fait maison », une caractéristique majeure du punk rock. En m’intéressant à d’autres genres musicaux, j’ai conservé cette même mentalité. Je n’ai jamais vraiment cherché à jouer les morceaux à l’identique ; j’ai toujours préféré jouer à ma façon, en mélangeant mes influences de manière plus spontanée. C’était donc un échange mutuel : je reprenais les chansons d’autres artistes de façon plus libre, avec mon propre style, et en même temps, ces chansons influençaient mes propres compositions et mon style de jeu. Il en est resté ainsi depuis, et je pense que c’est pourquoi je suis plus intéressé par l’exploration de sonorités différentes que par le fait d’essayer de me conformer aux normes esthétiques d’un genre musical, malgré tous les défis artistiques et commerciaux que cette approche implique. The Restless Wanderer cherche lui aussi à explorer librement différents univers sonores.
Le concept du « vagabond infatigable » émerge comme une idée de liberté esthétique et artistique. Que révèle ce concept sur le moment que vous vivez aujourd’hui en tant que compositeur ?
En reprenant mon projet artistique avec des concerts et des sorties, j’ai l’impression de rattraper mon retard et de partager avec le monde une partie de la musique que j’ai composée ces 15 dernières années, passées dans l’ombre. J’ai composé plusieurs chansons que j’aime beaucoup pendant cette période et que je souhaitais vraiment sortir, raconter leur histoire et ce qui les unit. Actuellement, je me concentre donc sur cette nouvelle étape de reconnexion avec moi-même et avec le public, en réfléchissant aux détails musicaux et non musicaux de chaque chanson, en développant également les aspects techniques et artistiques des concerts, et en me repositionnant en tant qu’artiste solo. Ajoutez à cela les exigences de management et de communication, désormais incontournables pour tout musicien, et il me reste peu de temps pour composer de nouvelles chansons en ce moment. Mais je reste toujours ouvert à toutes les possibilités, qu’il s’agisse d’écrire des paroles, de composer des chansons ou d’explorer les sonorités des instruments et du matériel musical. J’y vais doucement, étape par étape.
Après avoir documenté ce retour avec un EP live et la vidéo intégrale du concert, quelles perspectives envisagez-vous pour cette nouvelle phase de votre carrière ?
J’ai pensé qu’il serait intéressant de faire une pause dans la sortie des titres d’Inquieto Caminhante pour partager cette expérience de retour sur scène. Cet EP et la vidéo du concert complet qui suivra documentent une étape importante de ce parcours, il est donc tout à fait logique qu’ils en fassent partie. Deux nouveaux morceaux viendront ensuite compléter le premier EP de titres inédits du cycle Inquieto Caminhante.
Après cela, l’idée de départ est de poursuivre ce chemin, en proposant d’autres chansons qui illustrent différentes facettes de ma vision du monde, différentes manières d’interpréter la réalité. Mais le Brésil et le monde traversent des crises si profondes que je ressens aussi un fort besoin de sortir des chansons qui présentent un regard critique sur cette période historique que nous vivons et qui ouvrent la voie à d’autres façons d’être au monde. Cet avenir proche reste donc ouvert. Comme on dit, c’est en marchant qu’on trouve sa voie.
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