Avec une carrière solide marquée par le dévouement, Mariana Oliveira a acquis une place de choix dans la danse brésilienne. Formée par la célèbre école Bolshoi Brasil, à Santa Catarina, la ballerine et professeur de danse a brillé en tant que membre de FitDance , l’un des plus grands réseaux de danse du pays. De plus, sa polyvalence l’a emmenée sur des scènes prestigieuses, telles que le ballet du groupe emblématique Raça Negra et le STAGE Art Center. Mariana a également élargi son talent à l’univers audiovisuel, en participant au clip « Whind Dance – Cuzcuz » de Whindersson Nunes, en 2021, et a rejoint la troupe de danse SBT, consolidant sa carrière à la télévision. Avec une trajectoire impressionnante, l’artiste continue d’enchanter le public partout où elle passe.
Vous avez suivi une solide formation à l’école Bolchoï Brésil et, depuis, votre carrière de danseur n’a fait que grandir. En repensant à ce parcours, que signifie la danse pour vous aujourd’hui ?
La danse, pour moi, signifie tout. C’est à travers elle que j’ai compris ce qu’est l’art, ce qu’est l’appartenance, ce qu’est le lien. Je danse depuis l’âge de quatre ans, donc il n’y a aucune version de moi qui ne soit pas liée à la danse. Elle m’a soutenu et me soutient toujours – financièrement, psychologiquement et émotionnellement.
La danse m’a donné des opportunités que rien d’autre n’aurait pu m’offrir : elle m’a permis de mieux connaître mon pays, de voyager à l’étranger, de vivre des expériences qui ont transformé qui je suis. Mais plus que cela, cela m’apprend à vivre avec des gens issus de milieux financiers très différents du mien, avec des identités de genre différentes du mien, avec des visions du monde qui m’aident à grandir.
La danse me donne une stabilité qu’aucun être humain n’a pu m’offrir. C’est mon fondement, mon travail, ma guérison, mon expression. Danser, c’est exister de la manière la plus vraie que je connaisse.
Sa carrière s’étend sur différents espaces, du ballet Raça Negra au STAGE Art Center. Comment conciliez-vous ces différents styles et environnements de travail ?
C’est un défi d’avoir/d’être dans des environnements différents, mais c’est exactement le but que je souhaite atteindre avec mon travail. Je ne veux pas agir selon une seule perspective, je veux échanger des expériences. Partager ce que je vis et apprends avec d’autres personnes, qu’ils soient professionnels ou amateurs.
La danse, pour moi, va bien au-delà de la scène. Cela se produit dans les salles de classe, dans les coulisses, lors des répétitions, dans la rue, dans les espaces universitaires et lors de rassemblements informels. Et maintenir ce double — ou plutôt multiple — voyage est intense. Pendant la semaine, je donne des cours, je fais des répétitions, je crée des chorégraphies pour des débutantes, des mariées, des projets spéciaux… Et le week-end, je suis toujours sur scène, en train de faire des spectacles.
C’est une course folle, oui. C’est fatiguant. Mais en même temps, c’est extrêmement gratifiant de réaliser que je suis exactement là où je voulais être, en faisant ce que j’aime, en grandissant en tant qu’artiste et en tant que personne à chaque nouvelle expérience.
Faire partie du corps de danseurs du SBT a dû être une expérience unique. Comment était-ce de travailler à la télévision et quelles ont été les plus grandes leçons apprises au cours de cette période ?
Travailler à la télévision a été pour moi une découverte incroyable. Je n’aurais jamais imaginé que cela me plairait autant, mais lorsque j’ai commencé à enregistrer les programmes sur SBT, j’ai réalisé à quel point cela me comblait. Ce fut une période de grand apprentissage et de croissance. J’ai eu la chance de travailler avec de merveilleux chorégraphes et de vivre une routine intense et stimulante.
De 2013 à 2020, j’ai passé sept ans à enregistrer le programme de Raul Gil, à participer au « Jogo do Banquinho » et à d’autres segments impliquant le ballet. La télévision a une énergie unique. Vous n’avez qu’une seule chance : participer, enregistrer, passer à l’antenne. Et c’est tout. Ce format demande beaucoup de précision, de concentration et de livraison.
Je me souviens de l’époque où nous répétions le matin au SBT même et l’après-midi nous enregistrions déjà sept, huit chorégraphies différentes. C’était une période mouvementée, mais j’ai adoré. J’ai adoré l’enregistrement, j’ai adoré l’environnement, j’ai adoré l’équipe — des cameramen aux costumiers, en passant par les maquilleurs, les danseurs… c’est une équipe énorme, et c’est beau de voir autant de personnes travailler ensemble pour un résultat qui touche des milliers, voire des millions de personnes.
Je suis très fier d’avoir fait partie de l’histoire de SBT, l’un des plus grands diffuseurs du pays, et en particulier du programme Raul Gil. Et c’est là que j’ai également vécu d’autres opportunités incroyables, comme rencontrer et travailler avec Silvio Santos, ce qui a été un grand honneur. De plus, j’ai eu le privilège d’être professeur de danse privé pour la présentatrice Eliana pendant deux ans, me rendant chez elle chaque semaine pour nos cours.
Ces expériences m’ont profondément marqué. La télévision m’a apporté bien plus que de la visibilité : elle m’a permis d’établir des liens, d’apprendre et de créer des souvenirs que je garderai avec moi pour le reste de ma vie.
Vous avez participé à des projets allant du ballet classique au monde du FitDance et de la danse commerciale. Comment voyez-vous l’importance de cette polyvalence pour un danseur aujourd’hui ?
Cette question est vraiment intéressante, car cette semaine je recherche des danseurs pour un de mes projets — et j’ai besoin d’artistes avec des corps polyvalents, qui peuvent bien évoluer entre le ballet, le jazz, le jazz funk, le contemporain… Et c’est vraiment difficile de les trouver.
De nos jours, de nombreuses personnes ont arrêté de suivre des cours. TikTok a en quelque sorte révolutionné la scène de la danse, notamment pendant la pandémie, apportant une visibilité que la danse n’avait pas auparavant sur les réseaux sociaux. Mais, en même temps, cela a aussi apporté une certaine complaisance. Beaucoup de gens pensent que chorégraphier, danser, apprendre… se résume simplement à faire du TikTok. La danse est devenue quelque chose de très rapide, de très immédiat. Mais la véritable formation, la véritable polyvalence, nécessite du temps, du dévouement, des études et des recherches.
Et ce manque de formation a un impact direct sur mon travail de chorégraphe. Souvent, je dois créer dans les limites des danseurs, car je ne peux pas exiger quelque chose qu’ils n’ont pas le répertoire pour interpréter. Cela restreint la créativité, le style et la narration.
J’ai suivi une formation à l’école de théâtre du Bolchoï au Brésil, où j’ai eu accès à un large éventail de formations — ballet, claquettes, contemporain, éléments de cirque, théâtre, percussions, piano… un véritable éventail. Et je sais combien cette expérience me permet aujourd’hui de créer avec plus de liberté et de travailler dans des contextes différents.
La polyvalence n’est pas seulement un facteur de différenciation : aujourd’hui, c’est une nécessité. Parce que le marché a changé, la danse s’est développée et quiconque veut en vivre doit être prêt à aller au-delà d’une tendance des médias sociaux.
De plus, la polyvalence développe un corps plus préparé, un esprit plus ouvert et une sensibilité artistique plus riche. Cela ne signifie pas être « bon en tout », mais plutôt être prêt à apprendre, à expérimenter et à se réinventer constamment.
Sa participation au clip Whind Dance – Cuzcuz , de Whindersson Nunes, a propulsé son art dans l’univers numérique. Comment s’est déroulée cette expérience et qu’est-ce qui vous attire le plus dans le lien entre la danse et l’audiovisuel ?
J’ai eu trois grands privilèges dans ce projet qui a profondément marqué ma trajectoire. La première a été de travailler avec le chorégraphe Gustavo Santos (Gus – @gustavosantosw), dont j’admirais déjà le travail en ligne, mais que je n’avais jamais eu l’occasion de découvrir de près. Et c’était exactement comme je l’avais imaginé : il est incroyable, sensible, créatif, et ce fut une véritable expérience d’apprentissage d’être à ses côtés pendant ce processus.
La deuxième a été de rencontrer et de travailler avec l’artiste aux multiples talents Whindersson. Il m’a impressionné à tous points de vue. C’est un artiste complet : il crée, interprète, écoute, suggère, propose. Il a une créativité effrayante et une vision artistique très large. Il était présent dans chaque détail : éléments chorégraphiques, costumes, décors, même positionnement de la caméra. Bien sûr, il n’était pas le seul à penser à tout, mais sa touche est présente dans chaque partie de l’œuvre. Ce fut un immense privilège de découvrir de près comment il travaille artistiquement.
Et la troisième rencontre a eu lieu avec Júnior Marques (@juniomarques), directeur créatif — un professionnel exceptionnel, qui a tout dirigé avec brio. Le résultat est impeccable, et cela est dû en grande partie à sa sensibilité et à son œil technique.
Ce projet m’a permis de réaffirmer à quel point l’audiovisuel est essentiel pour la danse. Cela élargit notre portée, connecte la danse à de nouveaux publics, plateformes et langues. Ce n’est pas une coïncidence si tant de clips musicaux utilisent la danse comme force créatrice centrale : la danse a le pouvoir de communiquer, de susciter des émotions et d’avoir un impact.
Il n’est pas étonnant que certaines des chansons les plus regardées et les plus mémorables au monde aient la chorégraphie comme élément central. L’un des meilleurs exemples est « Gangnam Style », qui a explosé sur Internet grâce à sa danse saisissante – c’est la chorégraphie qui est devenue virale et a propulsé la vidéo. Au Brésil, on l’a vu avec « Show das Poderosas », d’Anitta. La force de la danse a été décisive pour le succès de la chanson. La chorégraphie a ce pouvoir : elle fixe, connecte, devient virale – elle immortalise un moment.
Danser en direct sur la scène de Raça Negra doit être passionnant. Y a-t-il un moment particulier dans une présentation qui vous a profondément marqué ?
Danser avec Raça Negra est, sans aucun doute, un privilège. Nous parlons d’un groupe avec plus de 40 ans de succès, qui continue d’attirer les foules partout où il passe. Et pour moi, cette histoire va au-delà de la scène — elle touche ma mémoire émotionnelle.
Je me souviens très bien de mon enfance, quand j’allais jouer chez mon cousin. Ma tante, complètement amoureuse de Raça Negra, mettait le disque vinyle pendant qu’elle nettoyait la maison. Nous avons joué au son du groupe, et cela m’est resté.
Alors, quand j’ai commencé à monter sur scène avec Luís Carlos, surtout dans la chanson « Cheia de Manias », qui est le plus grand succès, c’était impossible de ne pas être ému. Tous ces souvenirs me sont revenus en mémoire. Et entendre le public chanter en chœur, ressentir la puissance de cette musique… c’est une expérience unique.
Faire partie, même pour un temps, de l’histoire d’une marque aussi grande et respectée que Raça Negra est un immense honneur. J’emporte avec moi non seulement mon expérience professionnelle, mais aussi l’amitié que j’ai construite avec les autres danseurs.
En plus de briller sur scène, vous travaillez également comme professeur de danse. Qu’est-ce qui vous motive le plus à enseigner et comment voyez-vous la danse transformer la vie des élèves ?
Mon objectif dans l’enseignement de la danse va bien au-delà de la technique. Bien sûr, j’enseigne des pas, des rythmes, des styles, mais ce que je veux vraiment, c’est transformer les sentiments, les idées, les perceptions. Je veux que les gens qui entrent dans une salle de classe avec moi en ressortent différents. Plus léger, plus confiant, plus connecté avec eux-mêmes.
Beaucoup de gens qui suivent des cours avec moi ne veulent pas devenir danseurs professionnels, et ce n’est pas grave. Chaque personne arrive avec un objectif : évacuer le stress, perdre sa timidité, renouer avec son corps, se faire des amis, se challenger. Et je crois que la danse englobe tous ces objectifs. Elle a cette capacité de débloquer, de provoquer de profonds changements internes, même dans une seule classe.
Dans mon cours, vous rirez, vous vous mettrez au défi, vous ressentirez. Et surtout, vous vous le permettrez. Et c’est ce que je veux, être un instrument de cette transformation.
L’un des moments les plus mémorables de ma carrière d’enseignant a été d’entendre l’histoire d’une élève qui pensait à se suicider. Elle est venue me voir à un moment très difficile et a décidé de suivre un cours. Et dans cet espace, quelque chose a changé.
Elle était enchantée par la classe, la musique, les gens, l’énergie de l’environnement. Elle commença à revenir, une fois, puis une autre, et la danse éveilla en elle une nouvelle volonté de vivre. Elle a commencé à s’aimer davantage, à prendre soin d’elle, à se permettre de ressentir à nouveau de la joie.
Dans une salle de classe ou sur une scène, peu importe d’où vous venez, ce qui compte, c’est à quel point vous êtes prêt à ressentir, à bouger, à vous permettre de faire. Cette déclaration a eu un impact profond sur moi, car elle réaffirme tout ce en quoi je crois : la danse va bien au-delà du mouvement. C’est une guérison, c’est une rencontre, c’est une transformation. Elle sauve. C’est pourquoi je continue à faire ce que je fais avec tant d’amour. Parce qu’enseigner la danse, c’est aussi accueillir des histoires, proposer des chemins et, parfois, être un point de lumière dans la vie de quelqu’un.
Une carrière artistique n’est pas toujours facile. Avez-vous rencontré des défis importants dans la danse qui ont contribué à façonner la personne que vous êtes aujourd’hui ?
Travailler avec l’art dans notre pays n’est pas facile. Nous avons fait des progrès, oui, mais nous vivons toujours dans une réalité où les artistes n’ont pas la même reconnaissance que les autres professions. Et cela se reflète dans tout : dans les faibles tarifs, dans le manque de structure, dans la dévaluation constante. Le danseur est souvent jugé et incompris.
Mais, en repensant à ma carrière, le plus grand défi que la danse m’a apporté n’est pas exactement à l’intérieur de la danse. C’était hors d’elle. C’était la distance.
J’ai renoncé à de nombreux moments avec ma famille parce que j’ai choisi de danser. J’ai déménagé, laissé passer des rendez-vous spéciaux, raté des cafés l’après-midi, des déjeuners du dimanche, des conversations avant de me coucher. Et même si la technologie réduit les distances, la présence physique fait toujours défaut. Cela fait beaucoup de choses.
C’est le prix à payer pour choisir de vivre de son art dans un pays où les opportunités sont encore très concentrées, notamment à São Paulo, où l’on peut vraiment gagner sa vie de manière plus stable grâce à la danse.
C’est tellement fou. Je pourrais énumérer tant d’autres défis que la danse m’a imposés. Mais, au fond, ce qui pèse le plus, c’est ce qu’elle m’a fait abandonner en dehors de la scène. Et pourtant, je continue. Parce que c’est ce choix qui me complète.
Tous les efforts que j’ai déployés pour réussir dans la danse, pour poursuivre mes rêves, pour prouver que oui — il est possible de vivre de l’art, de payer les factures, de réaliser ses désirs et d’être heureux — m’ont transformé. Cela a fait de moi une femme plus mature, plus confiante dans mes choix, avec une vision beaucoup plus large du monde.
Rien n’est facile. Et si je ne cours pas après, personne ne courra pour moi. Mon avenir est ma responsabilité. Je suis celui qui construit chaque étape, chaque réalisation. Et la vie, parfois, nous met à l’épreuve. On dirait qu’elle demande : « Tu es sûr ? » Et quand cela arrive, il est temps de réaffirmer : oui, c’est ce que je veux. Même avec les sacrifices, même avec les défis, cela en vaut la peine. Parce qu’au final, je suis beaucoup plus heureuse en dansant. Et tout cela ne fait que renforcer le fait que j’ai choisi le bon chemin, même s’il n’est pas le plus facile.
Avec tant de réalisations à votre actif, y a-t-il un rêve ou un projet futur que vous souhaitez encore réaliser en danse ?
En plus de mon studio de danse, qui a déjà commencé à prendre forme avec beaucoup de travail et d’amour, mon objectif est de le voir grandir de plus en plus : des salles pleines, des élèves heureux, des professeurs valorisés et bien payés. Un espace où la danse vibre de vérité et d’accueil.
Mais mon rêve va plus loin. L’un de mes plus grands projets est de créer un projet de danse sociale, destiné aux enfants, adolescents et adultes qui n’ont pas les moyens de payer un cours, une école ou une formation. Je souhaite proposer des cours gratuits, mais plus que cela : offrir de réelles opportunités de transformation de vie à travers la danse.
Ce projet va au-delà de l’apprentissage : c’est un voyage. Un parcours qui peut conduire ces étudiants à travailler avec la danse : dans des spectacles, des clips musicaux, des publicités, à la télévision, au théâtre, dans l’événementiel. Je veux montrer que la danse n’est pas seulement réservée à ceux qui peuvent se le permettre. C’est pour ceux qui ressentent, pour ceux qui rêvent, pour ceux qui sont prêts à s’abandonner. L’art peut — et doit — être accessible. Et je veux être un pont pour cela.
Enfin, si vous pouviez définir votre carrière de danseur en une phrase, quelle serait-elle ?
J’ai un tatouage que je porte avec beaucoup de signification. C’est une vieille phrase, qui a toujours été une réponse à toutes mes questions, une réponse qui m’a poussé à agir. Et même si certaines personnes peuvent trouver cela sombre, voire négatif à première vue, c’est tout le contraire. C’est une impulsion, une invitation à l’action.
La phrase est d’Amyr Klink, un célèbre navigateur brésilien, et dit : « Un jour, il faut arrêter de rêver et partir d’une manière ou d’une autre. » Quand je l’ai lu pour la première fois, quelque chose en moi s’est réveillé. Et c’est tout à fait logique, car si vous voulez vraiment quelque chose, il ne suffit pas de rêver, vous devez arrêter d’attendre et aller le chercher, faire en sorte que cela se produise. Comme en danse : foncez ! C’est ce que cette phrase me rappelle chaque jour : la nécessité d’agir, de faire le pas vers la transformation, sans avoir peur de se jeter dans l’inconnu.
Vous avez récemment eu l’opportunité de diriger le ballet du spectacle du chanteur Belo et selon vous c’était quelque chose d’assez inattendu. Quel a été le moment le plus mémorable de cette période et quel est le plus grand défi que représente le fait de se lancer dans un projet de cette envergure ?
Actuellement, je suis le chorégraphe et le directeur artistique des spectacles de Belo, à la fois les road shows et Belo in Concert , qui est un de ses projets parallèles. Parfois, il semble même difficile de croire que je dirige le ballet de l’un des plus grands artistes du pays. C’est une énorme responsabilité, mais aussi une immense satisfaction et un honneur.
Sans aucun doute, le moment le plus mémorable a été l’invitation à travailler avec lui. Là, j’ai réalisé la confiance que les personnes impliquées dans le projet accordaient à mon travail, ce qui m’a motivé à donner le meilleur de moi-même dans tous les aspects. Ma réponse à cette invitation est, sans aucun doute, toute ma gratitude, mon engagement, mon talent et, surtout, ma responsabilité pour la carrière d’un si grand artiste.
Le plus grand défi, sans aucun doute, est de représenter la Beauté. C’est l’artiste qui donne le plus de spectacles au pays, avec une carrière consolidée de 35 ans, et il attire les foules partout où il va. Le spectacle est une véritable expérience émotionnelle, les gens chantent du début à la fin et l’atmosphère est pleine d’émotion et d’histoire. Travailler aux côtés de quelqu’un avec un parcours aussi solide est à la fois gratifiant et stimulant.
Malgré tout cet héritage, Belo reste extrêmement actuel. Les costumes, le décor et même le public ont une énergie très contemporaine. Ce n’est pas seulement le public qui l’a suivi dans les années 90 ; Belo séduit également les adolescents et les enfants, qui chantent ses chansons avec passion. Cela m’oblige à me mettre constamment à jour, non seulement dans le développement de la chorégraphie, mais aussi dans les conceptions et les mouvements qui apportent un nouveau look à leurs présentations, en maintenant la tradition tout en dialoguant avec le présent.
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