Connu pour son travail de scénariste pour Porta dos Fundos, Gustavo Vilela fait ses débuts d’auteur dramatique avec le monologue « Le Dinosaure en plastique », avec Rafael Saraiva dans le rôle principal et mis en scène par Barbara Duvivier. La pièce reprend le 13 août au Théâtre Glaucio Gill, avec des représentations uniques les 13, 20 et 27 août à 20 h, et son texte sera publié sous forme de livre par Editora Cobogó. La pièce suit Marcelo, un jeune homme tiraillé entre deux mondes – sa famille et ses amis – qui, hésitant à entrer dans un bar, plonge le public dans ses souvenirs, ses conflits intérieurs et ses réflexions existentielles.
« Le Dinosaure en Plastique » est né d’une hésitation, d’un moment de suspension entre deux mondes. Qu’est-ce qui vous attire tant dans ce genre de conflit intérieur silencieux ?
Je pense que ces conflits internes sont omniprésents. Ils peuvent se manifester de différentes manières et avec des degrés de gravité variables, mais je crois que ce sont des sentiments communs à tous, et c’est pourquoi j’aime les voir représentés. Ce sont des mini-problèmes, mais ce sont en quelque sorte « nos mini-problèmes du quotidien ».
Vous avez écrit ce texte en pensant à Rafael Saraiva. Quel a été le défi de créer quelque chose qui lui semble « familier, mais pas autobiographique » ?
Rafael porte en lui cette insuffisance et souffre aussi d’une série de petites névroses qui le taraudent constamment. Quand j’ai commencé à écrire, je me suis simplement fixé comme objectif que le texte soit à l’image de son immense talent et du ton qu’il souhaitait transmettre sur scène. Il était une source d’inspiration constante, mais le choix de ne rien utiliser d’autobiographique visait précisément à lui donner encore plus d’espace pour créer une nouvelle histoire. C’est vraiment formidable de le voir créer des liens entre sa propre vie et le texte, ce qui rend le tout tellement plus beau.
La pièce montre comment un événement apparemment simple – entrer ou non dans un bar – peut révéler de profondes couches d’identité, de souvenirs et d’insécurités. À quels moments de votre vie avez-vous eu l’impression de vous trouver devant la « porte d’un bar » ?
Je pense que cela arrive à presque tout le monde. Qu’il s’agisse de choses insignifiantes comme « être nommé ou non nommé », de changements d’emploi ou de problèmes relationnels, nous sommes constamment confrontés à ces dilemmes intérieurs, et la plupart du temps, nous les imaginons bien plus importants qu’ils ne le sont en réalité. Nous vivons à une époque où chaque petite défaite est ressentie comme un échec retentissant, et notre cour intérieure semble de plus en plus vorace.
Faire ses débuts en écriture dramatique avec un texte déjà en cours de publication est une réussite remarquable. Comment s’est déroulé le processus de traduction du théâtre au papier ? Le texte acquiert-il une dimension nouvelle lorsqu’il est lu, et non joué ?
J’ai toujours aimé lire des pièces de théâtre, et je trouve que l’effet produit par le fait de reconstituer une pièce dans sa tête en tant que lecteur est vraiment génial. Chaque fois qu’une pièce est jouée, elle est différente, et je pense que la lire, c’est aussi une sorte de version.
Vous êtes connu pour votre humour plein d’esprit et critique dans Porta dos Fundos et des projets comme VRAU CAST et Falha de Cobertura. Comment avez-vous troqué cette approche plus comique contre un ton plus existentiel et émotionnel au théâtre ?
Écrire pour Porta dos Fundos et Falha de Cobertura a toujours été un rêve pour moi. Ce sont des langues que je n’ai pas créées, mais j’ai appris à les utiliser et à les aimer. Vrau est arrivé un peu plus tard, une création conjointe avec Rafael et Caíto. Ce sont des œuvres et des langues que j’aime. Mais je pense que c’est dans ce type de pièce que je me sens le plus à l’aise dans mon écriture. C’est la langue dans laquelle je me sens le plus à l’aise, et c’est pourquoi j’étais si heureux de me lancer dans ce projet.
La pièce raconte l’histoire d’une personne qui tente de s’intégrer à deux environnements à la fois, une situation très courante pour une génération vivant entre attentes familiales et vie sociale. Pensez-vous que cette « fragmentation » soit l’un des plus grands dilemmes contemporains ?
Gérer les attentes est aujourd’hui bien plus difficile que jamais, je pense. Nous vivons dans une existence virtuelle parallèle où chacun semble bien plus heureux que soi, ce qui est presque toujours le cas. De plus, nous vivons dans une époque où la pression constante du succès nous échappe, même si nous ignorons notre vision du succès, alors que la réalité change constamment. La génération d’aujourd’hui, âgée d’une vingtaine d’années, est confrontée à une révolution sociale et technologique qui semble remettre en question notre conception même de l’existence. Il y a beaucoup de positif dans tout cela, mais aussi une anxiété qui semble plus forte.
Qu’est-ce qui vous a surpris lors du processus créatif avec la réalisatrice Barbara Duvivier et Rafael Saraiva ? Y a-t-il eu un moment où le scénario vous a apporté quelque chose d’inattendu en le voyant sur scène ?
Je n’ai réalisé qu’il y avait une pièce de théâtre qu’après avoir vu le travail de Bárbara et Rafael sur le texte. Leurs créations ont tout amélioré et leurs suggestions ont toujours été excellentes. Le soin qu’ils apportaient à chaque mouvement et à l’intonation de chaque phrase m’a beaucoup appris et m’a fait les admirer encore plus.
Comment voyez-vous l’importance d’aborder des problèmes tels que l’anxiété, la conscience de soi et l’inconfort social au sein du théâtre, en particulier dans un format monologue ?
Je pense que ces thèmes sont et resteront largement représentés dans toutes les formes d’art, mais ce que j’apprécie dans notre pièce, c’est de les traiter de manière presque banale, sans donner trop d’importance à quoi que ce soit. Un monologue peut souvent exagérer le propos, et notre objectif était avant tout d’être divertissant et pertinent pour le public. La vie est déjà très compliquée ; le théâtre n’a pas besoin de l’être.
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